간사
신예술운동은 20 세기 초 유행문화의 정점에 있는 예술과 디자인 스타일이다. 그때는 아예 모던 스타일이라고 불렀는데, 당시 로코코 스타일이라고 불렀던 것 같아요. 한편, 많은 소규모 단체들이 서로 모여 당시 거드름 피우는 패션 스타일을 약간 개선하여 20 세기 모더니즘의 서막을 형성했다. 여기에는 패션 전위지' Jugend' 라는 이름을 붙인 독일 청년 스타일이 포함되어 있다. 비엔나의 비엔나 분리주의 운동 (Vienna Separatist Movement) 은 선견지명이 있는 예술가와 디자이너가 주류 살롱 전시회 (1 년에 한 번 파리에서 개최) 를 떠나 같은 스타일의 작품을 모아 전시한다. 이탈리아에서는 런던의 한 상점의 쇼윈도가 공예 미술 운동에서 유래한 것으로, 다시 자연으로 돌아가는 현대 디자인으로, 자유스타일이라고 불린다. 그것은 이탈리아의 중요한 특징을 유지하면서 새로운 예술 운동의 상업적 외관을 포함한다.
이런 스타일의 가장 중요한 특징은 활력, 파도, 흐르는 라인이다. 코끼리는 전통 장식을 활기차게 하는 것이다. 표현은 식물에서 자라는 것과 같다.
예술 운동으로서 라파엘 전파와 상징주의 화가들과 밀접한 관계가 있다. 마치 오브리 빌즐리와 같은 유명 인사들과 같다. 알폰스 무카, 에드워드 번 존스, 구스타프 아커힐름 크렘트, 제인 토루프는 둘 이상의 스타일로 분류할 수 있다. 상징주의 화가와는 달리, 어떤 상황에서도 새로운 예술 운동은 자신만의 특별한 이미지를 가지고 있으며, 보수적인 전직 라파엘파와 달리, 새로운 예술 운동은 새로운 재료를 사용하는 것을 피하지 않고 기계를 사용하여 외관과 추상적인 순수 디자인 서비스를 창조한다.
유리 제작은 루이스 콘포드 티파니의 뉴욕 작품, 에밀 게일레, 프랑스 남석시의 돔 형제와 같은 놀라운 표현 영역을 찾을 수 있게 해 주었다. (윌리엄 셰익스피어, 루이스 콘포드 티파니, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언)
새로운 예술 운동은 건축 스타일과 인테리어 디자인에서 빅토리아 시대의 절충역사주의를 피했다. 새로운 예술파 디자이너의 선택과 로코코 스타일에서 추출한 일부 요소 (예: 화염과 조개껍데기의 질감) 의' 현대화' 를 통해 역사와 고빅토리아 스타일이나 현실주의에서 유래한 자연주의 장식의 기본 구조를 대체했다. 신예술운동은 고도의 절차적인 자연원소를 창작 영감과 자원으로 이용하여 해초, 풀, 곤충 등과 같은' 자연' 원소를 확장한다고 주장한다.
그에 따라 유기농 형태와 곡선, 특히 화훼나 식물을 광범위하게 사용하기 시작했다. 일본 목판도 곡선, 패턴, 뚜렷한 대조를 이루는 공간과 평평한 화면으로 새로운 예술 운동에 영감을 주었다. 이후 세계 각국의 예술가들의 작품에서 우리는 몇 가지 선과 곡선 패턴이 이미 회화에서 흔히 사용되는 수단이 되었다는 것을 알 수 있다. 한 가지 중요한 사실은 새로운 예술 운동이 다른 운동 (예: 공예 미술 운동) 처럼 기계의 역할을 부정하는 것이 아니라 그 장점을 충분히 발휘했다는 것이다. 사용된 재료 (주로 유리와 철예) 에 따라 건축 스타일도 섬세한 품질을 발견할 수 있다.
새로운 예술 운동의 장점은 완전한 스타일을 고려한다는 것이다. 즉, 건축 스타일, 인테리어 디자인, 가구 및 직물 디자인, 그릇과 예술품, 조명 등 모두 등급 척도를 가지고 있다는 뜻입니다.
신예술운동 발전의 절정은 1900 년 파리에서 열린 엑스포로, 현대스타일은 모든 방면에서 성공적이었다. 향후 10 년 동안 가장 일반적인 대중제품에서 신풍격이 빠르게 보급되면서 신예술운동은 약 1907 이후 간과되고 있다.
표현주의, 입체주의, 초현실주의, 장식예술처럼 새 예술운동은 20 세기 문화운동에서 가장 혁신적인 정신의 선봉장으로 여겨진다.
둘. 주요 개발 센터
암스테르담 (네덜란드)
알리산 (노르웨이)
바르셀로나 (스페인)
베를린 (독일)
브뤼셀 (벨기에)
시카고 (미국)
다임슈타트 (독일어)
글래스고 (스코틀랜드)
런던 (영국)
프랑스 파리
뮌헨 (독일)
낸시 (프랑스)
뉴욕 (미국)
오슬로 (노르웨이)
프라하 (체코)
리가 (라트비아)
비엔나 (오스트리아)
셋째, 예술가는
1, 건물
아우구스트 엔델
앤서니 가우디
빅토르 호타 (빅토르 호타)
조셉 호프만
헥터 지마드
찰스 로날드 매킨토시
루이스 설리반 (루이스 설리반).
오토 오투 바그너입니다.
2. 그림 그리기
알폰스 마리아 무샤 ()
오브리 오브리 비아즈레입니다.
개스톤 제라드
에드워드 에드워드 머크입니다.
앙리 드 툴루즈 로트렉
피에르 버나르 (피에르)
3. 가구 디자인
카를로 부가디.
유진 게라드입니다.
루이 마요렐
헨리 반 데 펠드 (헨리 반 데 윌드)
4. 유리기구
돔 프레러
에밀 갈리
르네 라릭
루이스 콘포드 티파니
기타 장식 예술
C. 애쉬비 (찰스 애쉬비)
새뮤얼 빈.
윌리엄 바라레.
쥘 브루파 (쥘 브렌포드)
헤르만 오브리 (헤르만 오브리스터)
필립 월퍼스.
벽화와 모자이크
구스타프 아커힐름 구스타프 아커힐름 클림트입니다.
7. 포스터 디자인
알폰스 무카 (프랑스 무카 아이핀스, 1860- 1939)
피터 베렌스 (1868- 1940, 독일)
구스타프 아커힐름 크렘트 (구스타프 아커힐름 크렘트, 1862- 19 18, 오스트리아)
Koloman Morsel (오스트리아, Koloman Moser, 1878- 19 18)
더들리 하디 (영국)
반 드 빌드드 (벨기에, 헨리 반 드 펠드, 1863- 1957)
윌 브래들리 (1868- 1962, 미국)
에드워드 벤필드 (1886- 1926, 미국)
현대주의
20 세기 이래 선봉파의 특징을 지닌 전통 문예와 갈라지는 각종 예술유파와 사조는 모더니즘이라고도 불린다.
발전 상황
현대주의의 기원은 프랑스의 인상주의로 거슬러 올라갈 수 있다. 65438-80 년대 프랑스 후인상주의, 새로운 인상주의, 상징주의 화가는' 예술언어 자체의 독립가치',' 그림은 자연의 하인이 되어서는 안 된다',' 그림은 문사에 대한 의존에서 벗어나야 한다',' 예술을 위한 예술' 등의 개념을 제시했다. 이것들은 모두 현대주의 예술 체계의 이론적 기초이다 그래서 프랑스 후인상주의 화가 P 세잔은 그의 작품에서 추구했다.
비교적 뚜렷한 현대주의 회화 스타일은 프랑스 야수파 화가의 작품에서 가장 먼저 나타났다. H 마티스를 대표하는 청년 화가들은 1905 년 파리 가을 살롱에서 풍격이 거칠고 예술언어가 과장되고 변형되고 표현력이 뛰어난 작품들을 전시해' 야수' 라고 불리며' 야수주의' 라고 불린다. 1908 년 P 피카소와 G 브라크를 대표하는 또 다른 젊은 화가들이 입체파를 프랑스에 도입했다. 입체파의 원리는 피카소의 유화' 아비뇽의 처녀' 에 처음 등장했다. 이 그림은 전통예술과 현대예술의 분수령으로 여겨지고, 입체주의는 블록의 구조관계를 이용하여 물체를 분석하고, 품위 있는 겹침과 엇갈린 미감을 드러내는 것이 입체주의가 추구하는 목표이다. 만물의 영론과 입체파는 모두 아프리카 조각에서 양분을 빨아들이고, 예술 언어도 전통적인 규칙에서 멀어져 현대주의가 자기 확립의 단계에 들어선 것을 상징한다. 이와 함께 1905 는 독일조직의 브리지사, 1909 에 설립된 청년기사사 등 표현주의 동아리가 부상했다. 그들의 심미 목표와 예술 추구는 프랑스의 야수파와 비슷하지만 강한 북유럽 색채와 독일의 민족 전통을 지니고 있다. 표현주의가 산업기술의 영향을 받아 물체의 정적인 아름다움을 표현한다면 이탈리아에서 일어나는 미래주의는 현대공업기술의 자극을 받아 물체를 분해하는 방법으로 감동적인 장면과 감정을 표현한다. 그들은 또한 선과 색채로 일련의 겹치는 모양과 연속적인 층을 묘사하고, 선과 선으로 빛과 소리를 묘사하려 한다.
상술한 사상과 운동, 특히 미래주의는 조각 분야에서 모두 나타난다. 미래주의 화가와 조각가 U. boccioni 는 19 12 년 4 월 조각예술에 대한 선언에 서명하고 미래주의의 원칙을 자신의 작품에 적용해' 공간의 연속 모양' (/kloc-) 으로 표현했다
상응하는 모더니즘 예술 사조는 20 세기 초 러시아에서도 상당히 활발하다. 입체주의와 미래주의의 영향을 받는 일부 사회를 제외하고 러시아 구성주의는 공업미의 표현 방법을 탐구하는 데 있어서 현대 예술에 독특한 공헌을 하였다.
추상 예술 작품은 최초로 19 10 년 전후로 나타났다. 독일 청년기사 클럽 활동에 참여한 러시아 화가 W 콘딩스키는 최초로 추상 예술 창작에 종사했다. 그는 점, 선, 면의 조합과 구도를 이용하여 음악의 표현 언어를 참고하고 그림으로 사상과 감정을 전달했다. 그의 작품' 예술의 정신' (19 12) 과' 점선면' (1923) 은 추상적인 이론적 토대를 마련했다. 종업원으로서 그는 주로 서정적 추상화의 창작에 종사하지만, 동시에 기하학적 추상화도 탐구한다. 러시아 화가 K.C. Malevic 은 19 13 정도에 지상주의를 창설하여 기하학적 추상화의 범주에 속한다. 평면 구성의 지상주의 노력은 예술의 허무, 공허, 무중을 탐구하는 데 의미가 있다. 기하학적 추상이론의 기초를 정립하고 예술실천에서 두드러진 공헌을 한 것은 네덜란드 화가 P 몬드리안이 창립한 데스티 (또는 신조주의) 이다. 20 세기 내내 추상주의는 기본적으로 서정적 추상과 기하학적 추상의 발전을 따랐지만, 각 단계마다 변화했다.
제 1 차 세계대전 중 스위스 취리히에 다다주의 동아리가 생겨 유럽과 미국 국가에 영향을 미쳤다. 프랑스와 독일 모두 다다 예술 동아리가 있다. 다다주의는 전쟁, 권위, 전통에 반대하고 예술과 모든 것을 반대한다. 사회로서, 필연적으로 자기 부정의 상태로 나아갈 것이다. 다다의 허무주의와 반전통정신은 서구 현대문예의 전 과정을 관통하고, 평면화에서 콜라주를 사용하며, 예술 창작에서 우연성과 우연성을 운용하는 것은 다다가 현대예술에 기여한 것이다.
초현실주의 동아리는 다다주의와 다르다. 그것은 다달주의의 파괴와 도전을 대신하기 위해 건설적인 태도로 예술 창작을 대한다. 프로이트의 잠재 의식 이론에서 직접 사상적 영양분을 섭취하고 프로이트의 이론을 이 예술 운동의 지도사상으로 삼는다. 초현실주의 예술가는 어린이, 정신환자, 꿈에서 영감을 얻어 인간 경험의 초험적 측면을 탐구하고 현실주의 관념을 돌파하고 현실주의 관념과 본능, 잠재의식, 꿈의 경험을 결합하여 절대적이고 초현실적인 경지에 도달하려고 노력한다. 초현실주의자들은 종종 예상치 못한 우연한 조합, 무의식적인 발견, 기성품을 사용한다. 현실주의와 추상주의의 언어는 그들의 작품에 모두 있다. 1924 ~ 30 년대 말 초현실주의 예술이 활발하다. 1930 년대 이후 예술 운동으로서 초현실주의는 점차 잠잠해졌지만, 많은 중요한 초현실주의 화가들은 여전히 유럽과 미국 화단에서 활동하고 있다.
추상 표현주의 (일명 액션화 또는 뉴욕화파) 는 제 2 차 세계대전 이후 미국에서 생겨난 표현주의, 추상주의, 초현실주의가 융합된 유파이자 개성과 스타일을 중시하는 현대주의 그림의 절정이다. 추상적 표현주의는 창작자 행동의 자유, 자동성, 목적성을 강조하고 창작행위 자체를 중요한 위치로 끌어올려 창작자 행동을 예술 전파매체로 삼는 요소를 낳고 있다.
추상적인 표현주의 이후의 딱딱한 가장자리 추상과 후화식 추상은 새로운 형세에서의 기하학적 추상화의 변화와 발전이며, 주관적인 감각을 강조하는 것에서 객관적인 표현에 초점을 맞추는 예술을 표현한 것이다. 이런 변화는 포프 예술에서 더욱 두드러진다. 포프 예술은 추상적인 표현주의와 정반대이다. 포프 예술의 흥기는 서구 현대주의가 포스트모더니즘으로 바뀌었다는 것을 보여준다. 물론, 서구 예술사학자들도 포스트모더니즘이라는 개념에 대해 다른 견해를 가지고 있다. 포스트모더니즘은 우선 건축에 쓰이는데, 물론 상대적으로 모호하고 논란이 많은 개념이다. 엄밀히 말하면, 포스트모더니즘은 모더니즘에서 완전히 벗어날 수 없다. 포스트모더니즘이 제창한 많은 방법과 원칙은 현대주의 예술에서 여러 차례 시도되었지만, 개별 방법과 원칙은 포스트 산업 사회에서 극도로 발전하고 과장되었다. 포스트모더니즘은 어떤 면에서는 확실히 현대주의의 반반이다. 그러나, 현대주의의 미학 원칙은 여전히 당대 서방 예술가들에게 강하게 영향을 미치고 있다. 80 년대 신표현주의, 신초현실주의, 신추상주의 등 유파의 출현은 이 문제를 어느 정도 설명했다. 현대주의와 포스트모더니즘 예술사조의 변천에서 주관과 객관적, 이성과 감성, 인간성과 * * *, 스타일 특징의 강화와 소멸, 인간성과 기계, 춘설과 턱미인, 예술의 심미와 반심미는 예술가들을 영원히 곤혹스럽게 하는 것 같다. 예술 발전의 역사 과정에서, 특히 산업화와 후공업화 사회에서 변화나 변화가 자주 발생한다. 관념예술 등 포스트모더니즘 사조가 이처럼 충격적인 것은 전통예술에 반할 뿐만 아니라 현대주의에 도전하기 때문이다. 그러나 역사 자체는 예술 발전에 인간의 의지로 옮겨가지 않는 객관적인 법칙이 있다는 사실을 보여 주는 것 같다. 예술 자체의 과정은 사회 자체의 과정과 마찬가지로, 위의 양극들 사이에서 균형을 추구해야 하는 자기조절의 힘이 있다. (존 F. 케네디, 예술명언) 물론 균형은 일시적, 일시적, 불균형은 절대적이고 영구적이다. 불균형, 갈등, 예술이 끊임없이 발전할 수 있다. 발전 과정은 모순과 우여곡절로 가득 차 있지만, 전체 추세는 앞으로 나아가는 것이다. 이런 의미에서 현대주의 예술은 현실주의에 대한 강력한 보완으로 여겨져야 한다. 다시 말해서, 모더니즘은 현실주의와 달리 현대 산업 사회의 리듬에 더 잘 맞는 새로운 예술 표현 시스템이다. 적어도 현실주의와 공존할 수 있는 힘을 얻었다.
특징현대주의 예술은 서방이 독점시대에 들어선 후 생겨났고, 제 2 차 산업혁명의 산물로, 이 시대의 정치, 경제, 정신문화생활의 중요한 변화를 불가피하게 반영하고 있다. 이 시대 사람들의 매우 복잡하고 풍부한 사상적 감정과 깊은 철학적 사고를 반영한다. 현실주의와 달리 현대주의 예술은 사회, 사람, 자연, 자아의 관계를 처리하는 데 불균형이 있어 관계가 왜곡되었다. 이렇게 되면 현대주의 예술가는 사회와 자연을 벗어난 것 같다. 그들은 사회와 인생을 직접 묘사하지 않지만 (소수의 예술가를 제외하고), 그들의 작품은 사회와 인생을 비추며, 사용하는 언어는 황당무계하거나 도덕적이거나 추상적이다. 그들의 작품에서, 우리는 이 예술가들이 현대인 (예술가 자체 포함) 의 트라우마와 변태 심리를 보여주고, 현실 생활에 대한 소극적, 비관적, 실망감을 느끼고, 그들의 사상적으로 강한 허무주의를 느낄 수 있다는 것을 느낄 수 있다. 바로 현대파 예술작품의 이런 특징들이 무시할 수 없는 사회, 역사, 심미적 가치를 갖게 하는 것이다. 현대 서구 사회와 현대 정신 생활의 중요한 측면을 묘사한 것이기 때문이다.
현대공업과 과학기술은 현대주의 예술의 발전에 중요한 역할을 했으며, 현대주의 예술가의 현대과학과 기계문명에 대한 심리와 태도는 복잡하다. 일부 예술가의 실천 (예: 입체주의, 미래주의, 구성주의) 에서 그들은 사회의 이런 심오한 변화를 반영하려고 시도하고, 대부분의 예술가의 작품에서는 공업문명에 대해 회피와 초탈적인 태도를 취하고 있다. 그들은 공업사회의 인간성에 대한 비하와 기계에 대한 평가절상에 불만을 품고 있다. 그렇다고 현대주의 예술의 주류가 공업사회의 과정과 상충되는 것은 아니다. 사실, 산업과 과학 기술 문명은 현대 사회의 면모를 크게 변화시켜 현대 예술의 정신적인 빠른 변화를 강력하게 촉진시켰다.
현대주의 예술은 먼저 칸트의 선험적 유심주의 무기고에서 영양을 섭취하고, 동시에 현대 철학 사상의 강렬한 영향을 받는다. 특히 니체, 프로이드, 퍼거슨, 융거, 사트의 철학과 심리학이다. 니체의 이론은 독일의 표현주의 운동뿐만 아니라 현대주의 문학 운동 전체에도 큰 영향을 미쳤다. 특히 그는 권위를 부정하고 인간의 의지와 본능에 기반한 창조성을 주장하며 중산층 문명과 위선적인 도덕을 경멸하고 무의식과 본능을 추앙하며 세계의 미래에 대해 비관적인 태도를 취하고 있다. 이는 현대주의 각 유파의 이론과 실천에 모두 나타난다. 프로이트의 잠재 의식 이론은 초현실주의 운동의 이론적 기둥이다. 이 이론은' 무의식은 정신의 진정한 존재' 라고 생각한다. 바로 프로이드 이론의 지도 아래 초현실주의 등 유파의 예술가들이 여러 가지 방법으로 사람들의 정신세계의 깊이를 탐구하는데, 그 결과는 한편으로는 새로운 예술 표현 영역을 개척하고, 다른 한편으로는 예술 언어를 황당무계하고 괴이하게 만드는 것이다. 대자연의 많은 작품들이 황당무계하고 기이한 새로운 경지를 창조했다.
현실주의와 모방에 기반한 전통예술에 비해 현대주의 예술은 상징성, 표현성, 추상성의 특징을 가지고 있다. 현대주의의 많은 유파는 자신을 반전통이라고 표방하지만, 실제로는 전통을 완전히 버렸을지도 모른다. 그것은 19 세기 중엽 이후 학술적 특색을 지닌 현실주의 전통을 부정하고 거부하려고 시도했다. 역사 유산을 다루는 데 있어 원시 사회 예술, 이집트, 메소포타미아 예술, 그리스 골동품 예술, 유럽 중세 예술에 대한 연구에 더 많은 관심을 기울이고 있으며, 인상파 이후 서구 예술가들은 중국, 일본, 인도의 회화와 수공예품의 표현어로 주의를 돌리기 시작했다. 야수파와 입체파 예술가들은 아프리카 조각품의 직접적인 혜택을 받는다. 중동의 이슬람 예술과 오세아니아의 예술유산도 현대파 예술가의 연구 대상이다. 상술한 인류 역사의 예술유산은 현대주의 예술가에게 유익한 자양분을 제공하였다.
전반적으로, 20 세기 이래 서구 현대파 예술은 현대 사회 사람들의 수요에 적응하여 인류의 고전 문화에 포함될 수 있는 작품들을 창작하였다. 하지만 모든 학파와 사조의 이론은 나무랄 데 없고, 더욱이 그들 중 몇몇은 사상적 성향을 연구할 만한 가치가 있다. (윌리엄 셰익스피어, 윈스턴, 학파, 학파, 학파, 학파, 사조) 분석없이 모더니즘 예술을 맹목적으로 칭찬하는 것은 바람직하지 않지만, 현대주의를 홍수 맹수로 여기고, 그것을 외면하고, 사람들이 그것을 접하고 이해하지 못하게 하는 것은 더욱 어리석고 슬프다. 1980 년대 이후 중국 예술 창작과 이론의 번영과 활약은 사회경제 추진 등 주요 요인과 무관하지 않고 서구 현대주의를 포함한 외국 문예가 제공하는 풍부한 정보와 관련이 있다.