입체파의 대표 화가는 피카소와 브랙이다. 피카소는 "입체주의는 입체주의가 아니라 우리가 가진 것을 표현하고 싶다" 고 말했다. 브라크는 "입체주의, 혹은 더 정확히 말하자면 나의 입체주의는 내가 그림을 창조하고 나의 재능에 맞게 만드는 수단이다." 라고 인정했다. (윌리엄 셰익스피어, 입체주의, 입체주의, 입체주의, 입체주의, 입체주의, 입체주의) 그들의 두 기질의 결합은 그레이스와 레그의 노력을 통해 그들을 다시 결합시켜 역동적인 입체주의를 형성했다.
입체주의의 발전은 1907- 1909 의 세상 시대를 거쳤다. 1909 부터 19 12 까지 입체주의 기간 분석. 먼저, 그들은 고정된 시각으로만 표현할 수 있는 전통적인 그림 방법을 깨고 같은 그림 평면에 배치했다. 탐구가 깊어짐에 따라, 그들은 이런' 분석' 이 종종 화면이 원래의 모양을 점점 더 잃어버리고 추상적인 모양에 빠지게 한다는 것을 발견했다. 그래서 19 12 부터 19 14 까지 그들은' 종합입체주의' 시기에 들어갔다. 그들의 견해는 객관적인 물체의 외적 형태를 묘사하는 것보다 객관적인 물체를 그림에 도입하여 구체적인 물체 자체와 추상적인 구조 형식을 하나로 융합시키는 것이다.
입체파 화가는 체계적인 이론 지도가 없어 모두 자신의 사고방식에 따라 탐구하고 있다. 피카소는 이렇게 말했습니다. "제가 본 것이 아니라, 제 상상대로 그리겠습니다." 브라크는 또한 "화가는 일화를 만들고 싶지 않고 그림 사실을 창조한다" 고 말했다.
입체주의의 출현도 예술 자체의 발전의 필연이다. 전통 회화에서는 객관적인 자연만을 근거로 그림을 그리며 자연의 일부와 한 면만 표현한다. 현대인의 현대생활의 변화: 객관성과 미시성, 속도와 다변성, 기계에 의한 인간의 제한으로 회화는 이런 다양성과 복잡성을 보여 줄 것을 요구한다. 고대 그리스 플라톤의 기하학적 아름다움의 관점과 세잔은 사물의 구조와 영원한 관점을 의도적으로 묘사하고, 아프리카 흑인 조각의 계몽과 함께 입체주의 예술의' 아비뇽의 소녀' 를 만들어 냈다
20 세기 초 프랑스 화단에서 일련의 변화가 일어났다. 야수파 작품은 1905 년 가을 살롱에서 전시되었고, 대사의 죽음을 기념하는 전시회는 세상 미술관과 1906 에서 동시에 열렸다. 이러한 전통에서 벗어난 전시회는 피카소와 탐구정신을 가진 많은 청년 화가들에게 결정적인 영향을 미쳤다.
1907 년 봄 피카소는 여러 가지 영향을 종합해 획기적인' 아비뇽의 소녀' 를 창작했다. 이 그림을 창작한 동기는 화가가 우연히 파리 인류박물관을 방문했을 때 아프리카 원주민 예술, 특히 흑인 조각의 단순하고 이상하며 거친 모양에 매료되어 영감을 받아' 흑인 예술시대' 의 창작을 시작했다는 것이다. 그러나, 세잔후의 바스 여성 알몸화도 그에게 구체적인 영감을 주었다.
이 그림은 통일된 구도가 없고, 색채가 둔하고 무뚝뚝하며, 이래라저래라 하는 인물은 체감이 없다. 그림 속 소녀들의 기형적인 얼굴은 피카소가 이베리아와 아프리카 흑인 조각품을 탐구한 결과이다. 사방팔방의 영향으로 이 그림은 좀 절충적이고 모순적이다. 화가는 형상을 폐쇄된 배경의 형상과 결합하려 했지만, 전체 구상, 화면 이미지, 공간 처리는 현대 회화의 새로운 방향인 입체주의 예술이 탄생했다.
Horta de Hebraud 공장.
피카소의 세잔에 대한 연구에 따르면, "세잔은 사과를 실제로 그리지 않았다. 그는 이 원 위의 공간의 무게를 그렸다." 브라크를 알게 된 후, 나는 분석 입체주의를 탐구하고 창작하기 시작했다. 이 공장 풍경화는 입체주의 분석의 결과이다.
이 그림에서 공간 물체는 많은 기하학적 모양으로 분해되고 필요에 따라 재조합되어 전통적인 원근감 개념과 회화 방법을 배제하고 새로운 통일된' 3 차원 공간' 을 얻게 된다. 착시현상이 관찰자의 시각에 영향을 미치는 일종의 감정적 반응, 상상력, 기억, 느낌. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언) 화가는 그들의 간단하고 간단한 기법으로 물체를 전면적으로 개괄적으로 묘사했다. 입체주의 분석' 은 이성주의를 바탕으로 만물의 형태를 분석하는 것이기 때문에 여전히 객관적인 진실에 부합하지만 객관적인 진실과는 다른 예술적 이미지를 창조할 수 있다.
음악가 세 명
1920 년대 초 피카소는 고전적이고 불후의 다채로운 스타일을 재사용하면서 밝은 색채, 회화 기법이 평평하고 기하학적으로 추상적인 이미지 조합의 입체파 스타일을 탐구했다. 그림 속 세 명의 음악가는 기하학적 추상색 블록 모델링, 평면 구도, 평면 회화를 통해 만들어졌다. 작품의 주제는 즐겁고 엄숙한 분위기가 있다.
게르니카.
1937 년 4 월 26 일, 독일 파시스트 공군이 스페인 바스쿠 작은 도시인 게르니카를 폭격하여 폭탄의 위력을 시험하여 무고한 국민 2000 명이 숨졌다. 이 일은 전 세계와 화가 피카소를 놀라게 했다. 그는 독일 파시스트의 폭행에 항의하기 위해 이 거대한 그림을 창작했다.
화면 이미지의 상징적 의미는 황소가 잔인한 파시즘을 상징한다는 것이다. 말은 비극을 상징합니다. 말머리 위에는' 밤의 눈' 을 나타내는 전등이 있는데, 그림에 놀란 여성이 손을 들어 도움을 청했다. 그림에는 비행기 폭탄이 없지만 공포, 죽음, 외침으로 가득 차 있다. 그림의 배경은 어둠으로 가득 차 있고, 밝은 등불은 이 피비린내 나는 장면을 비추며, 차갑고 잔혹한 악몽이 그림 전체를 뒤덮고 있다. 화가는 검은색, 흰색, 회색을 색조 대비로 조화성이 강하여 구상과 추상, 초현실주의가 결합된 창작이다. 그것은 낭만주의 정신을 가지고 있고, 구조가 엄격하고, 주제가 선명하다.
브라크 (1882- 1963)
조지 브라크는 파리 근처의 아장토에서 태어났고, 그의 아버지는 아마추어 화가였다. 18 세의 브라크가 파리에 와서 몽마트의 초라한 방에서 그림을 그렸다. 2 년 후 국립고등미술학교 보나 화실에 입성해 푸상 코너 인상파 예술의 영향을 받아 1906 이 야수파 새 그림으로 바뀌기 시작했다. 1907 년, 저는 피카소를 만났고, 그 이후로 그들은 함께 새로운 그림을 탐구했습니다. 그는 피카소와 같은 지위의 입체주의 창시자이자 금세기 유일하게 야만주의를 거쳐 입체주의를 창립한 화가이다.
1907 년, 세샹의 예술작품이 파리에서 전시되어 브라크를 크게 자극했다. 세잔은' 원뿔, 원통, 구로 자연물을 처리한다' 는 개념이 그의 머릿속에 깊이 새겨져 있다. 그 후로 그는 야수파의 색채를 포기하고 카키, 연한 녹색, 회색으로 형상을 그렸다. 그의 작품이 살롱에서 전시되었을 때 당시 심사위원 마티스는 "입방체의 누적이다" 고 말했다. 평론가 워커는 "그는 형식을 경멸하고 풍경 인물, 집, 모든 것을 기하학과 입방체로 만들었다" 고 썼다. 이후 입체파는 회화 유파의 명칭이 되었다.
브라크와 피카소는 같은 취미로 새로운 그림 형식을 탐구하고 창조했고, 콜라주와 융합이 잇따라 그들의 작품에 나타났다. 브라크는 제 1 차 세계대전에서 징집되어 전쟁 후에도 계속 그림을 그렸다. 이후 초기 입체주의의 고정관념에서 점차 벗어나 기하학 언어가 수정되어 상대적으로 자유롭고 조용한 형태로 변했다. 색채가 간결하고 조화롭고, 화면이 적당히 자연주의의 의취를 타협하고, 침착하고, 조화되고, 아름다우며, 새로운 예술 경지를 형성하였다.
에스타크의 집
브랙과 두피는 세잔의 고향인 에스타크에 가서 풍경을 그렸다. 그는 천마의 허황된 색채를 쓸어버리고, 대신 회갈색과 회녹색의 색조와 추상적인 기하학으로 자연의 풍경을 묘사하며 입체파 그림 탐구를 시작했다.
듀엣
브라크의 예술 탐구는 1930 쯤에 또 달라졌다. 그의 작품 속의 선은 더 이상 딱딱하지 않고, 곡선은 더욱 감동적이며, 이미지는 가능한 입체적이다. 그는 1935 에서 "나는 세계 자체의 몇 개의 거울에 세상의 그림자를 기록하고 있는 자신을 발견했다" 고 말했다. 세계의 경우, 그는 삶의 깊숙한 곳에서 그것을 전체적으로 이해하려고 시도하고, 단면과 평면에서의 투영으로 물체를 표현하고, 감각의 각도를 높이고, 형체의 윤곽이 구부러지게 하여 흔들림감이 있다. 색상은 평범해지고 단순함에는 미묘한 변화가 있다. 흰색은 소리를 낼 수 있고, 갈색은 생명이 있고, 검은색은 빛나고, 보라색은 투명해지고, 그의 라인은 찰랑거린다. 이 듀엣에서 이런 예술적 특색을 감상할 수 있다.
그래스 (1887- 1927)
후안 그리스는 마드리드에서 태어나 세나 강가의 불로네에서 죽었다.
그레이스는 일찍 스페인 마드리드 미술공예 학교에 입학했다. 17 살에 파리에 와서 프랑스 국적을 신청했지만 사망할 때까지 뜻대로 되지 않았다. 파리에서 그는 그의 동포 피카소의 업적에 매료되었다. 그들은 밀접한 관계를 유지하고 있고, 그들은 입체파 창작에 종사한다. 초기에 그레이스는 분석 입체주의자였다. 그는 먼저 물체를 분석한 다음, 물체가 끊임없이 변화하는 표면이 아니라, 연속적인 자세에서, 그는 물체를 포착하려고 시도하여, 스크린에서 복잡하고 이상하지만 표현력이 있는 겹침을 창조했다. 이 시기의 대표작은 피카소였다.
그레이스는 나중에 종합입체파 창작에 갔다. 그는 그림의 형태와 구조와 색채 사이에 일정한 분리가 있다고 생각하는데, 때로는 색채를 한 획씩 표현하기가 어렵다. 따라서 스티커에서는 견고하게 만들어진 모양과 구조를 손상시키지 않고 세부 사항을 교환할 수 있습니다. 1920 에서 그는 "내 사진을 조직하여 내 일을 시작한 다음 각 물체에 정성을 부여한다" 고 주장했다. 사실, 그는 상상력으로 시작하여 추상적인 것을 구체화하고 특별한 개인을 창조하려고 시도했다. (윌리엄 셰익스피어, 템페스트, 희망명언) 세잔은 병을 원통으로, 그는 실린더를 병이나 병으로 바꿨다. 그는 추상적인 이론머리만 가지고 있고, 모든 정상적인 예술 창작 주제를 독단적으로 뒤엎고, 모든 인간성을 버렸다고 추론했다. 사실, 그레이스의 예술의 진정한 위대함은 그가 음악과의 접근에 있다. 그는 순수하고 우아하며 엄숙하고 정적인 전반적인 효과를 만들어 모든 세부 사항을 포기했다. 독일 표현주의는 주로 드레스덴 (북독일) 의' 다리' 클럽과 헨 (남독일) 의' 젊은 기사' 클럽이라는 두 그룹으로 구성되어 있다.
조사는 1905 에 설립되었습니다. 창립자는 칼시, 하이켈, 노르드, 페스탄 등이다. 칼시는 한 선언에서 이렇게 말했습니다. "모든 사람, 우리에게 속한 모든 사람은 무엇이 그들을 창조하도록 부추겼는지 직설적이고 위선적으로 보여 준다. (윌리엄 셰익스피어, 오셀로, 지혜명언)." 그들은 반 고흐와 고갱의 작품을 감상하고, 뭉크에 대해 긍정적인 태도를 취하고, 원시 예술에 대해 독실한 태도를 취하지만, 그들 각자는 각기 다른 각도에서 자신이 필요로 하는 것을 흡수한다. 그들은 자연과 도시에서 끊임없이 변화하는 세계를 묘사하며, 항상 우울함, 공허함, 인형 같은 표정을 짓는다. 교사' 의 문체상의 탐구는 짙은 감정적 색채를 띠고 있다. 형식상 처음에는 매끄럽고, 가볍고, 자유롭고, 부드러운 선을 사용했고, 나중에는 점차 긴장하고, 우여곡절되고, 비스듬히 비스듬히 사귄다가, 결국 짧고 딱딱하게 변하는 것이 일반적인 화풍일 뿐이다.
또 다른 표현주의 단체인' 녹색 기사' 는 남독일 바이에른 주의 수도 헨에서 활동하고 있다. 그 구성원은 마크와 클리를 포함한다. 프랑스 드로우는 내부 입체주의에 기반한 느슨한 기하학 구조와 색채광학에 대한 과감한 흡수로' 녹색기사' 멤버들을 크게 고무시켰고, 그들은 그를' 현대예술' 의 창시자로 여겼다. 소년기사단의 취지는 브리지사와 같지만 표현언어는 서정적 추상어를 많이 사용한다. 그들은 보이지 않는 내면정신에 더 관심이 있으며, 이런 내면정신에 눈에 보이는 모양과 색채를 부여하여 예술과 깊은 정신적 내용을 하나로 융합하기를 바란다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 예술명언) 주로 칸딘스키의 예술에서.
하이켈 (1883- 1970)
에리히 허클은 작센의 두본에서 태어났다. 2 1 년 드레스덴 공대에 입학해 건물을 공부하고 브리지 설립에 참여했다. 초기 작품은 색채가 농후하다. 스물다섯 살에 이탈리아로 여행을 간 후, 그는 그림의 기조를 바꾸어 점차 조화를 이루었다.
하이켈의 예술 창작에서 그는 극적인 줄거리로 인물의 사고, 불안, 병적인 정신적 면모를 묘사하는 데 능하다. 그는 자신의 내면의 열정을 억누르며 그림을 조화롭고 안정적으로 만들고 있는 것 같다.
Nold (1867- 1956)
에밀 놀드는 독일 북부의 슐러 수리그의 한 농민 가정에서 태어났다. 17 세 피렌체부르크 셜먼의 조각학교에 입학해 목각을 공부한 뒤 칼스루어 공예미술학원에 재학했다. 32 세의 나이에 파리 줄리안 미술학원에 가서 심학을 했다.
Nold 는 1906 에서 브리지 클럽에 가입했는데, 그는 이 단체에서 가장 재능 있는 화가이다. 그는 간결한 형식과 열정적인 색채를 통해 자연, 원시, 정신의 섬세한 요인과 힘, 특히 그의 색채를 조화롭게 표현할 수 있다. 그는 색채로 사람의 감정을 표현하고, 컬러 음표로 우렁찬 음악을 연주하는 화가이다. 그의 그림 속의 밝은 색채 처리는 인상파의 깨우침을 받았다. 그가 직접 말했듯이, "색채는 나의 음표이며, 조화되고 모순된 목소리와 화음을 그리는 데 쓰인다." 그의 작품에서, 그는 차갑고 불타는 감정 표현을 추구하고, 그의 주관적인 감정을 방사하고, 그의 그림 속에서 뛰고 강렬한 색채가 사람들을 격동의 세계, 일종의 원시적인 방종으로 끌어들였다.
노르드의 인격은 농부, 은둔자, 예언자의 결합체이다. 히틀러가 무대에 오른 후, 그의 예술은' 퇴폐' 로 선포되고 금지되었다.
마크의' 그레이트 그린 말'
그린라이더' 는 독일 표현주의 예술단체의 이름이다. 20 세기의 처음 20 년 동안 뮌헨에서 양조, 생산 및 활발했습니다. 녹색기사' 의 독일어 본명은 der Blaue Reiter 로, 이론적으로는' 파란 기사' 로 번역되어야 하고, 중국의 예술계에서는' 녹색기사' 라고 불린다. 원래 중국어는' 블루나이트' 라고 해도 괜찮지만,' 블루나이트' 는 항상 말을 빼놓을 수 없기 때문에, 연대에는 확실히 많은 화마가 있다. 독일어에서 같은 형용사로 정의된 말이 중국어에서' 블루마' 라고 한다면. 말은 녹색 말이고, 사람은' 녹색 기사' 이다.
마크의 대황마
정신적으로 마크는 독일의 낭만주의와 서정적 전통에 가장 가깝다. 그의 초기 작품에서 색깔은 상징적이고, 모양은 구부러지며, 부피와 강력한 구조로 가득 차 있다. 나중에 그의 작품은 추상화되는 경향이 있다.
콜리 (1879- 1940)
폴 클리는 베른 교외의 한 음악 교사 가정에서 태어났다. 켈리는 어려서부터 문학예술을 사랑했고, 중학교 때 소설과 시를 썼는데, 역시 아마추어 바이올린 연주자였다. 19 세 뮌헨 칼러 스튜디오에서 그림 공부를 하고, 2 1 세 뮌헨 미술학원에 입학하고, 트루트웨이크 스튜디오에서 칸딘스키와 협력한다.
20 세기 초 클리는 이탈리아를 여행하며 르네상스 시대의 예술을 고찰했기 때문에 고전 예술에 대해 많이 알고 있었다 .. 1905 파리에 와서 인상파를 추앙하고 이듬해 헨으로 이주하여 19 12' 그린 라이더' 에 가입했다 전쟁이 발발한 후 그는 징집되어 전쟁이 끝날 때까지 그림을 그리기 시작했다. 나중에 그는 바우하우스 대학에서 교직을 신청했다. 히틀러가 권력을 잡은 후 추방되어 귀국하여 로가노에서 죽었다.
클리의 예술은 복잡한 문화 현상으로, 그의 변화무쌍한 예술 언어는 현란하고 변화무쌍하다. 그의 사상이 항상 현실과 환상, 청각과 시각, 구상과 추상 사이를 자유롭게 돌아다니기 때문에 사람들은 그를 초현실주의 화가로 여기기 때문이다. 그의 작품에서 모양, 선, 색깔의 조합은 어떤 개념의 상징, 유치한 순진한 상상, 객관적인 형식 자체의 리듬, 때로는 음악의 소리 세계에서 비롯되며, 클리는 항상 멋진 그림을 예리하게 파악한다. 어쨌든, 클리가 사용하는 예술 언어나 구상이나 추상적인 상징은 모두 객관적인 사물에 대한 그의 감정에서 비롯된 것이며, 객관적인 형식에 대한 이해에서 정제된 것이다. 창작 과정에서 화가 자신의 자질이 작용했고, 그는 창작어로 자신의 사상 감정을 표현하려고 시도했다.
칸딘스키 (1866- 1944)
바실리 칸딘스키는 모스크바에서 태어나 세나 강가에서 죽었다. 스무 살에 모스크바 대학교 법학과에 입학했다. 민간 역사 연구에 종사할 때 그는 러시아 민간 예술과 장식 예술을 광범위하게 접했고, 30 대 때 법학 박사와 대학 교사로서 그림에 투신하여 독일 뮌헨 미술학원에 들어가 그림을 공부하기로 결심했다. 34 세의 졸업 후, 그는 전문 화가가 되었다. 화가로서 칸딘스키는 이탈리아, 프랑스, 네덜란드, 벨기에를 여행했다. 한때 새로운 인상파의 점채법에 대해 강한 흥미를 불러일으켰고, 자신의 취미와 러시아 민간 예술에 대한 연구가 결합되었는데, 이때 작품은 농후하고 거칠고 소박한 민간 회화 풍격을 보여 고전 전통이 거의 없었다. 블루 나이트 (Blue Knights) 와 같은 현실적인 것도 있고,' 말 등에 있는 커플' 과 같은 다채로운 것도 있어 안정적인 개인 스타일을 형성하지 못한다. 19 10 년 후 화풍이 돌변하면서 추상적인 표현주의로 돌아섰다.
19 10 년에 한 번 우연한 기회에, 그는 거꾸로 된 스케치에서 추상적인 의미를 발견하여, 외부의 구체적인 것들이 종종 예술 자체의 아름다움에 대한 사람들의 감상을 방해할 수 있다는 것을 깨닫게 되자, 그는 점차 추상적인 그림에 대한 탐구로 방향을 바꾸었다. 제 1 차 세계대전이 발발하자 칸딘스키는 러시아로 돌아왔다. 10 월 혁명 이후 모스크바 회화 박물관 관장으로' 무산계급 문화협회' 설립에 참여했고 모스크바 대학 교수, 192 1 러시아 예술학원 설립에 참여했다. 소련이 현실주의를 제창했기 때문에, 칸딘스키의 추상 예술이 존재할 수 없었기 때문에 그는 독일로 돌아와 바우하우스 대학에서 교직을 신청하여 훌륭한 예술 교육자가 되었다. (윌리엄 셰익스피어, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언) 그 이후로 그는 기하학적 추상화로 그의 초기 스타일을 완전히 대체했다. 1933 년 베를린으로 이주한 바우하우스 대학은 나치에 의해 폐쇄됐고, 칸딘스키의 작품은 퇴폐파 예술로 선포되었고, 화가는 사망할 때까지 파리로 이주해야 했다.
칸딘스키의 추상 예술을 어떻게 이해할 수 있을까?
칸딘스키는 그림이 추상적인 강한 수요에서 비롯될 수 있다고 생각하는데, 반드시 객관적인 세계의 표상에 얽매이는 것은 아니다. 상상력은 실존관계에 대한 주관적인 관점으로, 새로운 상징 형식과 색채의 조화를 추구해야 한다. 칸딘스키의 마음속에서 그림은 마치 다른 세계의 큰 충돌처럼 서로의 투쟁에서 새로운 세계를 만들어 냈다. 모든 작품의 기원은 우주의 기원과 마찬가지로 대재난 후의 산물이며, 결과는 각종 악기의 카오스 소음에서 교향악을 추출하는 것과 같다. 작품을 만드는 것은 세상을 만드는 것과 같다. 칸딘스키의 회화에는 그의 구도 구조와 선색 블록에서 내면의 정신, 욕망, 열정의 자유로운 표현이 있다. 선과 색블록 조합의 운용은 고정적인 형식이 없어 화가가 정신 표현에 치중하는 산물이다.
몬드리안 (1872- 1944)
피터 몬드리안은 네덜란드 암스트포드에 있는 한 교회 학교의 교장 가정에서 태어났다. 65,438+04 세에 그림을 배우기 시작했다. 스무 살에 현지 중학교 미술 선생님이 되어 학원파와 사실파 창작에 종사하기 시작했다. 나중에 그는 인상주의, 상징주의, 후인상주의에서 영양을 섭취했다. 19 1 1 그는 네덜란드에서 피카소와 브라크의 초기 입체파 작품을 본 뒤 이듬해 파리로 달려가 입체파 방법으로 그림을 그리기 시작했다. 처음에는 빨강, 노랑, 파랑, 녹색 등 가장 간단한 원색으로 풍경을 묘사했다. 만년에 그는 추상적인 평면으로 긍정적인 방식으로 풍경을 표현했다. 19 14 년 네덜란드로 돌아와 de stijl 을 세우고 새로운 스타일링을 장려했다.
몬드리안은 새로운 모델주의를 수단으로 삼아 이런 추상적인 기호를 통해 풍부하고 다채로운 자연을 관련 표현 대상으로 단순화했다. 그는 "순수한 모델링만이 최종 추상화를 완성할 수 있다" 고 생각한다. 조형예술에서 진실성은 형식과 색상, 동적 운동의 균형으로만 표현할 수 있다. 순수한 수단은이 점을 달성하는 가장 효과적인 방법입니다. 클릭합니다 이 아이디어는 직각을 통해 색상을 원색으로 단순화하고 검은색과 흰색을 추가하여 비균일과 반대의 균형을 이룰 수 있게 해준다. 그가 직접 말했듯이, "내 작품이 결국 직선과 수평선으로 완성될 때까지 곡선을 차근차근 제외한다. 십자가를 형성하고, 그 곳에는 각각 분리되어 있다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 독서명언) 직선과 수평선은 두 가지 반대 힘의 표현이다. 이런 대립의 균형은 어디에나 있고 모든 것을 통제하고 있다. "
몬드리안 19 14 의 그림에서 곡선은 사라지고 가로세로구조가 지배적이다. 19 19 이후 종횡구조의 동태균형과 원색 활용을 통해 우주를 표현하려는 그의 이상을 완성하여 천인일치의 경지에 이르렀다.
작문
몬드리안은 수직선과 평행선으로 구성된 기하학적 형태가 예술 형식의 가장 기본적인 요소이며, 기하학적 형태만이' 순수한 현실' 을 표현하는 데 가장 적합하다고 생각한다. 그는 이러한 기본적인 원소와 가장 순수한 색채로 외부와 내면의 균형, 일종의 물질과 정신의 균형을 만들고 싶어한다.
이런 균형을 창조한 예술 사상은 당시의 사회 현실에 뿌리를 두고 있다. 한 차례의 대전 후에 사회는 보편적으로 불안한 상태에 처해 있다. 그는 이런 조용하고 균형 잡힌 예술을 창조하여 사람들의 불안한 마음을 위로하려고 시도했다.