영화와 극본 창작, 심지어 영화업계와 관련된 간단한 전문 용어를 간단히 소개하겠습니다. 막 입주했거나 입주했지만 익숙하지 않은 친구들도 도울 수 있기를 바랍니다. (사실 대부분 중도에 출가한 작가입니다.). (윌리엄 셰익스피어, 윈스턴, 희망명언) (윌리엄 셰익스피어, 윈스턴, 희망명언) 자신을 강요해야 할 때 당신을 도울 수 있을지도 모릅니다. 결국, 사람들이 연극에 대해 이야기할 때 단지 몇 단어만으로 당신이 문외한이라는 것을 알게 되는 것을 원하지 않습니까? 또한 중국어와 영어 대조의 의미는 영어 자료를 확인하고 키워드를 정확하게 검색할 수 있는 친구들을 편리하게 하는 것이다. 첫 번째 열이 부족하거나 오류가 있습니다. 여러분들이 많이 지도해 주시기를 바랍니다.
A. 연극 과정에서 흔히 볼 수 있는 기본 용어:
각본 (영화 각본): 각본의 책. 말할 필요도 없다.
시나리오 작가: 극본을 쓰는 사람, 극본의 작가.
인물: 이야기 속의 인물.
주인공: 이야기의 핵심인물, 이야기의 발전을 촉진하고 이야기에서 중요한 극적인 결정을 내리는 사람.
2 차 인물: 이야기에서 주인공 외에 줄거리를 추진하는 사람.
대항자: 이야기에서 주인공의 전진을 방해하는 인물. 한 사람, 조직, 자연력, 주인공의 내면 어느 정도 될 수 있다.
주제: 이야기를 통해 전달하고자 하는 가치관이나 도덕적 주장.
장르: 특정 요소 또는 고정 된 루틴이 포함 된 이야기의 종류. 코미디, 비극, 황당극, 다큐멘터리 등 여러 가지 방법으로 분류할 수 있다.
이벤트: 어떤 이유로 트리거되고, 특정 발전 과정이 있으며, 어떤 결과를 초래하는 일련의 사실. 스토리텔링 단원이 극본 속 인물을 생동감 있게 만들어 서로 연관짓는다는 것이다. (윌리엄 셰익스피어, 윈스턴, 스토리텔링, 스토리텔링, 스토리텔링, 스토리텔링)
줄거리: 극본에서 인물 관계를 표현한 일련의 생활사건의 발전 과정을 가리킨다.
줄거리점: 이야기의 전환점을 가리키며, 이야기에서 의외로 다른 방향으로 방향을 바꾸는 노드입니다. 극의 극적인 긴장의 원천.
장면: 이야기 사건이 발생한 시공간입니다. 일반적으로 한 시간과 장소에서 발생하는 한 가지 동작을 장면이라고 하며 연극이라고도 합니다.
장면 제목: 각 장면이 왼쪽 정렬 형식 (내부 또는 외부, 위치 및 시간) 으로 나란히 쓰여집니다.
외부 및 내부 (외부 및 amp; 내부): 각 장면의 시작 부분에 장면의 제목을 표시하는 데 사용됩니다.
대사: 이야기 속 인물들이 하는 말을 말한다.
잠재 대사: 사건 표층이나 대화 아래에 존재하고 숨어 있는 잠재적 의미를 말하며, 관객이 문맥에 따라 느끼는 인물의 잠재적 의도다.
대화: 이야기 속 인물의 말과 정태는 그 감정과 개성을 표현하는 방식이다. 대사 외에 인물의 정서와 표정 정지도 포함되어 있다.
시점, POV): 이야기를 하는 사람은 일반적으로 주관적인 관점과 객관적인 관점으로 나뉜다.
배경 이야기: 줄거리가 시작되기 전의 역사를 가리키며, 보통 인물을 형성하는 지난 일과 감정이다.
이야기 구조: 극본의 뼈대와 청사진에 해당하는 시간, 인과, 공간별로 이야기를 하는 기초이며, 줄거리와 시간을 안배하는 기본적인 버팀목이다. 일반적인 인프라는 3 막 구조와 3 막 구조의 변형이다.
3 막 구조: 이야기는 시작, 중간, 끝의 세 막으로 나뉜다.
드라마 장력: 대본에서 작가가 의도적으로 관객들에게 느끼게 하려는 이야기의 모순된 디자인과 연극에 대한 기대입니다.
배역을 발전시키는 것은 당신이 만드는 각 배역에 특별한 배경, 개성, 행동, 품위, 행동 시간표를 제공하는 것을 의미한다.
캐릭터 프로토타입: 영격심리학이 동화와 결합해 요약한 인간 유형. 각 원형은 어떤 인간성을 대표하는데, 이것은 인류의 보편적인 무의식적 특징이다. 일반적으로 캐릭터 설정의 대형 모델링 기준으로 사용됩니다.
동그란 인물: 심리적으로 완전히 자아를 가진 인물을 가리키며, 이야기에는 주동성과 목표가 있는 인물을 가리킨다.
납작한 성격: 정신적 깊이가 부족해 설교를 목적으로 존재하는 사람을 말한다.
높은 개념: 마케팅 전략이 창의력을 결정하고 이끌어주는 영화를 말합니다. 이런 이야기는 보통 구조와 리듬이 단순하고, 고정적인 일과가 있으며, 대중과 함께 영화를 보는 습관이 있다. 이야기의 핵심은 한 마디로 그렇게 간단하다.
B. 이야기가 만들어지는 방식:
인물형 연극: 이야기의 갈등과 긴장은 인물에 의해 형성되고 주인공은 전진길의 제한과 장애를 끊임없이 극복한다. 이런 이야기를 캐릭터 중심 이야기라고 합니다. 비 오는 사람 처럼.
드라마: 인물들이 직면한 도전은 주로 외부의 압력에서 비롯된 것으로 주인공은 어쩔 수 없이 사건에 휘말렸다. 이런 이야기를 줄거리 구동 이야기라고 한다. 예를 들어 부산 여행.
병렬 스토리 텔링: 이야기를 할 때, 이야기를 압축하여 여러 줄거리 라인 사이를 전환하여 관객의 판단과 상상력 예측 능력을 자극하여 이야기에 참여하는 것을 말합니다. 여러 가지 이야기의 관점이 있습니다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 이야기명언)
C. 연극에서 일반적으로 사용되는 도구:
박자표: 고개념 영화 창작에서 관영 습관에 따라 총결된 줄거리 리듬표를 가리킨다. 예를 들어, 스크립트가 나타나는 분 또는 페이지 수입니다. 과학적이고 효과적인 일상으로 줄거리의 세부 사항과 전환이 합리적이다. 전문 시나리오 작가는 더 적은 노력으로 더 많은 일을 할 수 있습니다.
호: 줄거리 방향이나 인물 사이의 성장 궤적과 교집합을 그래픽으로 분석합니다. 방법론의 시나리오 작가는 곡선에 따라 대본을 조정한다.
장면 카드: 장면 번호를 부여하고 색인 카드에 각 장면의 요약을 간결하게 기록합니다.
보드: 이벤트 및 장면을 조정하고 전환하는 장면 카드를 정렬하는 패널입니다. 스토리보드를 잘 활용하면 각 장면과 이벤트를 보다 유연한 부분으로 만들 수 있습니다.
D. 드라마의 기본 과정에 대한 용어:
단계 1:
Logline: one-line 이라고도 하는데, 전문 용어로는 "한 문장의 줄거리 요약" 이라고 합니다. 이 말은 극의 충돌, 이야기의 주선, 관중, 심지어 주제를 암시한다. 창의성의 출발점이자 전체 극본의 가장 농축된 정수이다. 많은 경험 많은 작가들은 이야기의 전제로 시작한다. 대부분의 회사들이 시나리오 작가 수준을 검증하는 벤치마킹이기도 하다.
2 단계:
줄거리 줄거리/처리: 가장 초기의 엄밀함은 대화가 없는 대본을 가리키며, 현재 업계에서는 logline 을 둘러싼 이야기의 개요를 가리킨다. 간결하고 개괄적인 이야기로 이야기의 주요 내용을 요약하다. 아웃라인은 더 이상 짧은 아웃라인과 간단한 아웃라인으로 나누어지지 않는다는 점에 유의해야 한다.
세 번째 단계:
하나의 이야기를 깨뜨리다: 골자를 상세하게 쓰기 전에 이야기의 중대한 전환점, 보통 장면 사이의 전환점을 찾는다. 일반적으로 촬영에 응용할 수 있다.
네 번째 단계:
캐릭터 설정: 캐릭터 배경 이야기의 계획, 캐릭터 성격 특징의 이야기 속 동향. (이 단계는 이야기가 인물 구동인지 아니면 줄거리 구동에 따라 유연하게 조정될 수 있다. ) 을 참조하십시오
일반적으로 여기서 브리핑/제안 단계에 들어갈 수 있습니다.
다섯 번째 단계:
포지셔닝: 잠재 구매자에게 이야기, 아이디어 판매 및 전시 계획을 설명합니다.
6 단계:
개요: 대본에 나타날 각 연극의 목록. 사실 리듬계의 완벽함이다. 각 장면은 시작과 끝이 있는 스토리라인과 관련이 있다. 골자는 일반적으로 극본 개발 과정의 첫 번째 유료 과정이다. 이야기 개요를 완성한 후 장면 개요를 입력합니다.
7 단계:
대본 초안: 완성된 이야기 해체와 개요 코드를 기반으로 한 1 판 대본.
8 단계:
다시 쓰기: 역할 재구성, 새로운 역할 또는 연극 만들기 등 대본에 대한 중요한 수정.
9 단계:
극본 2 고: 제작진의 피드백을 받고 수정한 2 판 극본.
10 단계:
잠금: 프로듀서가 개요 또는 극본의 최종 초안을 검사하고 승인합니다. 확실히 그렇게 좋지 않다. 나는 N 원고를 무수히 다시 써야 할 것 같은데, 프로젝트가 누렇지 않아도 이 지경에 이를 수 있다. ) 을 참조하십시오
단계 1 1:
윤색: 대본에 대한 세심한 수정은 보통 조정을 정리해 각 장면을 더욱 촘촘하게 만들고 대화를 개선하거나 촬영용 촬영본으로 조정하는 경우가 많습니다.
12 단계:
대본 촬영: 대본을 최종 대본으로 조정해 촬영합니다.
후속 조치는 촬영 중 실제 상황에 따라 조정하고 수정하는 것이다. 독촉에 관한 어떤 것도 말하지 마라 ...
E. 영화 제작 및 예산 용어
영화 제작의 세 단계:
사전 제작: 예산, 출연진 확정, 대본 수정, 로케이션 탐사, 장면 건설 설정, 제작판 편성 (당시 각 장면이 어디서 찍혔는지), 직원 채용 등 촬영 전 모든 행사. 사전 제작 단계는 몇 달, 심지어 몇 년이 걸릴 수 있습니다.
생산; 카메라 조작의 시작부터 주요 촬영 작업의 완료 위치까지. 기간은 4 주에서 20 주 이상입니다. 대형 영화시티의 영화 평균 제작주기는 80 일 정도다.
후기 제작 제작 단계가 완료되면 사후 제작 단계에 들어간다. 모든 장면이 촬영이 완료되면 편집자가 이 영화를 만들기 시작한다. 그런 다음 시각 효과를 추가하고 사운드 편집과 사운드 트랙을 수행합니다. 배우가 대사를 잘 듣지 못하거나 호흡이 맞지 않으면 대화 교체를 다시 녹음해야 한다. 포스트는 몇 달 동안 지속되며, 보통 고정 후 10 주 정도 지속된다. 감독만 먼저 잘라도 됩니다.
영화 예산은' 온라인 지출' 과' 오프라인 지출' 으로 나눌 수 있다
온라인 비용: 영화 한 편이 찍을 수 있는' 거액' 프로젝트로는 노래책 인세와 감독, 프로듀서, 작가, 배우의 보수가 포함된다.
오프라인 원가: 실제 생산과 관련된 원가입니다. 공장 공막 임대료, 조경 및 서비스료 (가구 및 소품), 장비 구매 및 임대, 현장비, 트럭비, 직원 급여, 외진 장소 생활비, 식비, 추가 변호사 비용, 음악 및 편집비.
F. 일반적으로 사용되는 렌즈의 기본 용어 및 기능:
초점의 변화: 초점이 뚜렷한 인물이 한 무리의 모호한 군중 속으로 들어가면 그의 미래에 대한 불확실성을 드러낼 수 있다. 캐릭터가 흐릿한 배경에서 또렷하고 초점이 맞춰진 전경으로 이동하면 그의 가치나 우선 순위를 "명확히" 할 수 있습니다.
낮은 각도 카메라: 위로 올라가는 각도에서 캐릭터를 표현하면 힘이 있어 보입니다. 이것은 "영웅 슈팅" 이라고도합니다.
높은 각도의 카메라: 내려다보는 인물은 그/그녀가 힘이 없고 중요하지 않다는 것을 전달할 수 있다.
기울어진 네덜란드각: 수평선이 기울어져 문제가 있거나 생리적 심리적 불균형을 나타낸다.
Over-the-shot: 캐릭터가 공격받기 쉬운 상태에 있음을 나타냅니다.
지터/핸드 샷: 바쁜 응급실이나 범죄 현장과 같이 폭풍의 중심에 있고 물에 잠긴 느낌을 투사할 수 있습니다.
미완이 계속되다.