이탈리아는 지중해 지역 중부에 위치해 있으며 중세 세계에서 가장 큰 무역구의 중심이다. 플로렌스, 밀라노, 베네치아는 당시 수륙교통의 허브이자 무역집산지였으며, 상공업과 맹아 자본주의가 가장 먼저 등장한 곳이었기 때문에 르네상스의 발원지이기도 했다.
르네상스란 신흥 자산계급이 중세 종교에 의해 교살된 고대 그리스 로마 사람 중심의 과학문화의 부흥을 겨냥한 이데올로기 분야의 혁명이다. 비잔틴 멸망에서 구해낸 원고는 로마 폐허에서 발굴된 고대 조각상으로 그 시대의 빛나는 이미지를 재현했다. 사람들은' 그리스로 돌아가라' 라는 기치를 내걸고 있다. 사실, 신흥 자산계급이 고대 그리스의 망령을 소환하는 것은 노예제 문화를 재건하기 위해서가 아니라 자산계급의 요구에 유리한 과학, 철학, 인문 예술을 차용하기 위해서이다. 그들의 이름, 전투 슬로건, 외투를 빌려 이렇게 오랫동안 명성이 자자한 옷을 입고 이런 차용한 언어로 세계 근대사의 새로운 장면을 연출하는 것이다. 이탈리아는 고대 로마의 후예로서 고대 그리스 로마 문화의 직접적인 계승자이다.
시각 예술-르네상스 작품
이탈리아 르네상스는 먼저 피렌체에서 발전한 다음 다른 지역으로 확산되어 피렌체에서 예술적 성과와 지역적 특색이 있는 화파를 형성했다. 다빈치는 강력한 플로렌스 화파 외에도 밀라노 대공을 위해 밀라노로 가서 밀라노 화파를 만들었다. 브라만트, 미켈란젤로, 라파엘은 교황을 위해 로마로 가서 기념적인 기세, 웅장함, 힘이 특징인 로마 화파를 형성했다. 16 세기에 플로렌스의 휘황찬란함에 이어 르네상스 예술의 정점에 도달한 마지막 대가는 틴톨레토로 인정받았다.
이탈리아 르네상스는 초기, 번영기, 말기로 나눌 수 있다. 처음에는 플로렌스를 중심으로, 조토에서 보티첼리까지, 전성기는 주로 다빈치, 미켈란젤로, 라파엘의 예술적 성취를 상징한다. 후기에 티향을 대표하는 베니스 학파가 명성을 얻었다.
피렌체가 이탈리아 르네상스의 발원지가 된 것은 지리와 자연조건에 있다. 아놀드 강에 위치해 있으며 수륙 교통의 요로이며 수공업과 상업무역이 발달했다. 깊은 고대 로마와 중세 문명의 기초가 있습니다. 사회 각 단계의 예술에 대한 수요, 특히 메디치 가문을 대표하는 통치자가 예술 창작에 대한 제창과 보호를 촉진하여 예술의 번영과 발전을 촉진시켰다. 피렌체는 초기 르네상스의 대표로서 예술 관념, 예술 주제, 예술 표현에 뚜렷한 개성적 특징을 형성하였다. 예술 내용은 여전히 전통 기독교의 성서 이야기를 위주로 하고 있지만, 조토 이후 화가들은 신의 이미지 형성에 세속적인 현실 생활을 주입하는 방법을 탐구하려고 시도했다 그래서 그들은 과학적 성과, 응용 해부학, 투시학, 광학 원리를 예술 창작에 도입하여 실제 인물, 실제 공간 관계를 형성했습니다. 예술 언어는 명암 스케치 조형을 강조하고, 구도는 대칭, 균형, 조화를 추구한다.
다빈치, 미켈란젤로, 라파엘이 회화 세계를 지배하여 르네상스의 도래를 상징한다. 그들의 예술 창작은 현실 생활의 실제 인물을 직접 묘사할 뿐만 아니라, 종교 신화 들에게 사회적 이상, 심미 이상, 사상 감정을 부여한다. 그들은 피렌체, 밀라노, 로마에서 거대한 예술적 업적을 보여 주었고, 자신의 지혜와 힘으로 그림과 조각의 기념비를 세웠다.
베네치아는 아드리아 해안에 위치해 있으며, 이탈리아 반도를 등지고 동쪽을 향하고 있으며, 피렌체와 로마와는 전혀 다른 이탈리아 해상 도시이다. 그것은 비즈니스 센터, 자본가들이 모이는 곳, 세상이 즐기는 천국이다. 베니스인들은 자신의 고향이' 세계의 보물 상자' 라고 주장한다. 16 세기 베니스, 신의 통제를 제외하고는 모든 것이 있다. 이 호화롭고 휘황찬란한 도시에서 주도권을 차지하는 것은 과학과 지식이 아니라 아름다움, 특히 회화 예술이다. 아름다움을 창조할 수 있을 뿐만 아니라 그림 속의 이미지를 통해 현실미와 이상미를 영원히 지속시킬 수 있기 때문이다. 화가는 사회적 지위는 없지만 교황, 왕, 귀족 자산계급의 좌상빈이 되는 경우가 많다. 이 도시에서는 플로렌스와 어깨를 나란히 하는 위대한 화가 조르조네와 티향과 그들의 제자 베로니와 틴톨레토가 탄생했다.
베네치아는 해상 무역의 상업 중심지이자 아름다운 물성이기 때문에, 이곳의 예술은 내용과 형식 면에서 플로렌스와 매우 다르다.
피렌체의 미술은 종교 성경을 선호하고 베니스는 고대 그리스 신화 및 이야기를 더 많이 묘사합니다. 마음껏 즐기며, 주제는 사랑, 호음, 나체의 여신이다. 그림의 이미지는 열정과 상상력으로 가득 차 있고, 활발하고 밝고 즐거운 분위기로 가득 차 있으며, 슬픔과 슬픔은 거의 없다. 디비니스는 피부가 풍만하고, 머리카락이 황금색이며, 옷차림이 화려하며, 베니스 사회의 아름다운 여자로 인간성의 빛을 발하고 있다. 왕공귀족의 쾌감 수요에 영합하기 위해 화가들은 아름다운 누드녀를 묘사할 뿐만 아니라 아름다운 자연 경관도 갖추고 있다. 이런 아름다움을 충분히 표현하기 위해 화가들은 색채의 창조를 매우 중시하며, 자연에서 무한한 다채로운 색채 변화를 발견하고 표현하는 데 매우 뛰어나다. 피렌체의 화가가 스케치와 구도의 대칭, 균형, 조화를 중시한다면 베니스의 화가들은 색채와 열정의 전달을 극력 추구해 유럽 현대유화의 발전을 위한 토대를 마련했다. 감정주의나 스타일주의라고도 하는 스타일주의와 스타일주의는 이탈리아 르네상스 예술이 바로크 예술로의 과도기를 가리키는 특수한 예술 현상으로, 르네상스 및 후기 바로크 예술의 숭고한 조화와는 달리 역사가들은 이 시기의 예술 스타일을' 감정주의' 또는' 스타일주의' 라고 부른다. 예술가는 의식적으로 좀 더 극단적인 형태를 추구하고, 복잡한 이미지와 동작으로 자신의 내면의 소동과 억압적인 감정을 표현하는데 열중하고 있다.
스타일주의 미술의 주요 특징은 상당 부분의 제재는 나체 인물, 자세가 이상하고 왜곡되며 근육이 발달하고 과장되어 작품의 사상 내용이 난해하다는 것이다. 그림 속의 줄거리는 종종 시각적 중심에 나타나지 않고 모호하게 부차적인 위치에 있다. 바로크 예술은' 바로크' 라고 불리며, 이탈리아는 터무니없는 가식을 의미한다. 포르투갈은 모양이 불규칙한 진주를 뜻한다. 그것은 사람들이 바로크라는 단어를 빌려서 이런 스타일의 예술을 조롱하는 경멸적인 말이다. 그것은 17 세기의 이탈리아에서 생겨났고, 이후 유럽 가톨릭교가 성행하는 국가에 영향을 끼쳤다. 그 사회의 지주는 종교이기 때문에 종교가 퍼지면서 종교 지역으로 전파될 수 있기 때문이다. 바로크 예술의 주요 특징은 교회의 상류층과 귀족을 위해 봉사하는 것이기 때문에 종교를 선양하고 향락의 욕망을 만족시키기 위해 많은 돈을 들여 호화로운 궁전과 주택을 짓고, 많은 장식화와 조각품을 화려하게 보이게 한다는 것이다. 르네상스 예술은 이성의 평온과 조화를 강조한다. 바로크 예술은 비이성적인 무한한 환상과 환각을 강조하며 조화와 평온을 깨고 조각과 그림에 긴장된 연극 분위기로 가득 차 있다. 건축은 풍부하고 변화무쌍한 구조, 열정과 강렬한 운동감이 바로크 예술의 주요 특징이며, 작품은 작가의 내면의 복잡한 사상과 감정을 반영하며, 외적인 형식이 사람을 흥분시킬 뿐만 아니라 내용도 불안하다. 이미지 속 운동감은 바로크 예술의 영혼이다. 그 내용은 열정으로 가득하고 그 형식은 강렬한 운동감으로 가득 차 있다. 바로크 예술 작품은 항상 운동을 하고 있다는 느낌을 준다. 리듬과 멜로디가 강렬하고 복잡하며 명암 대비가 강렬하여 운동감과 불안정감을 불러일으킨다. 곡선과 타원은 건물에서 널리 사용됩니다. 바로크 예술은 공간 관계의 처리를 매우 중시하여 공간 입체적인 예술적 이미지를 표현했다. 그림은 빛의 조형에 의지하여 공간의 종심감을 추구한다. 건축과 조각품은 수준과 깊이를 강조하며 평면을 깨려고 한다. 바로크 예술은 또한 포괄적인 예술 처리를 강조하는데, 일반적으로 건축, 조각, 그림의 융합, 회화와 조각의 융합, 조형과 환경의 융합, 자신의 부분의 융합을 포함한다. 바로크 예술은 종교의 지지를 받아 불가피하게 강한 종교적 색채로 가득 차 있다.
바로크 예술은 국가마다 사회적 배경에 따라 다른 예술 스타일을 가지고 있다. 천주교가 주도하는 이탈리아와 플랑드르, 종교세력 위주의 로마 바로크 스타일이 지배적이다. 군주전제, 왕권 위주의 프랑스에서는 클래식 스타일이 주류입니다. 자본주의가 더 발달한 네덜란드와 영국에서는 현실주의 시민예술이 인기가 많다. 로코코 스타일: 18 세기, 특히 루이 15 통치 시대의 예술과 인테리어 스타일. 로코코 스타일은 이탈리아 바로크 전성기의 정교한 곡선을 바탕으로 개선된 결과이며, 형태가 더욱 섬세하고 색채가 더욱 선명하다. 로코코 스타일은 루이 14 시대의 점잖고 럭셔리한 고전 예술 스타일에 대한 반란이다. 상당히 자질구레한 궁정 생활 속 생동감 있고 친밀한 장면, 때로는 전원 풍경이 있다. 매혹적이고 하는 것이 특징이다. 주요 대표 인물은 월터, 보처, 플라고이다.
시각 예술-로코코 현실주의 프랑스 그림은 고전주의에서 낭만주의로의 발전을 거쳤고, 낭만주의는 점차 당시의 사회 현실에서 벗어났다. 이런 맥락에서 일부 진보예술가들은 예술이 실생활에 입각해야 한다고 생각하며' 예술은 인민을 위한 것이다' 라는 구호를 내세워 현실주의의 예술사조를 만들어 냈다. 현실주의 예술가는 자연과 노동을 찬양하고, 현실 생활의 광활한 그림을 심오하고 전면적으로 보여주며, 특히 일반 노동자의 생활과 투쟁을 묘사한다. 이 순간, 노동자들은 진정으로 예술의 전당에 들어가 그림의 주요 이미지가 되었으며, 자연도 독립된 제재로서 현실주의 화가들의 사랑을 받고 있다.
우리가 여기서 말하는 현실주의는 프랑스 예술 발전의 독특한 예술 현상으로 19 세기에 생긴 예술사조를 가리킨다. 당시 사람들은 그것을' 현실주의' 라고 불렀는데, 이 유파는 의심할 여지 없이 현실주의의 예술 창작 방법을 사용했다. 그것의 철학관은 실사구시이다. 이로 인해 그것의 미관은 진미, 현실의 아름다움으로 이어졌다. 이것은 현실주의의 주요 특징이다. 프랑스 사회의 계급 대립과 투쟁이 회화계에 반영되면서 고전주의와 낭만주의의 논쟁이 되었다. 일부 화가들은 이 모든 것을 무시하고 조용히 파리 교외의 단풍백로 숲 근처의 바비송촌으로 들어갔다. 그들은 모두 대자연을 무한히 사랑하며, 대자연의 오색찬란한 경치를 직접 묘사할 것을 주장한다. 그들은 대자연을 묘사하는 풍요, 아름다움, 내면의 생명을 평생의 추구로 삼았다. 그들은 자신의 예술적 신앙을 다른 사람에게 강요하지 않는다. 왜냐하면 그들은 모두 바비송촌에 살면서 함께 자연을 묘사하기 때문에, 이 화가들은' 바비송파' 라고 불리며, 주요 대표인물은 코로, 루소, 트로론이다. 나비파는 세상 반 고흐 고갱이 20 세기 현대예술의 창시자로 인정받고 있으며, 그들이 생사든 죽음이든 영향은 제한되어 있다. 예술가의 작은 유파인 나비파는 그들의 사상을 계승하여 20 세기 선봉파 화가에게 전파했다.
1888 년 여름, 24 세의 세루시예는 프랑스 북서부 브르타니에 있는 아왕교에서 그림을 그리는 고갱을 만났다. 고갱은 방금' 야곱과 천사' 를 그렸고 주관적이고 신비로운 상징색으로 이 젊은 화가를 정복했다. 나중에 그는 고갱을 따라' 사랑의 숲' 이라는 숲에서 사생했다. 고갱은 색깔의 신비를 지적했다: "나무는 어떤 색이어야 하는가? 더 많거나 적은 빨간색이 보이십니까? 좋아, 사진의 그 부분에 빨간색을 넣어라. 그림자는요? 그곳에 파란색이 조금 있었으면 좋겠다. 그런 다음 팔레트에서 가장 아름다운 파란색을 거기에 놓습니다! 클릭합니다 세루시예는 고갱의 지시에 따라 담뱃갑에 작은 풍경화를 그렸다. 그는 이 그림을 그가 공부하고 있는 파리 줄리안 대학으로 데려왔다. 구경꾼은 보나르, 빌, 랜슨, 발로튼을 포함한다. 그들은 갑자기 고갱이 되어 세루시예의 이 작은 그림을 "부적" 이라고 부르고, 이 복음서를 받을 수 있는 특권을 가진 집단을 "나비비" 즉 히브리어의 "예언자" 라고 불렀다. 이것이 나비파의 유래이다.
나비파는 고갱의 예술적 영향을 받아들이고 새로운 탐구와 발전을 진행했다. 고갱의 종합 이론은 상징주의의 장엄함, 단순화, 기형적인 장식 스타일, 즉 자연을 지혜와 상상력의 영역으로 이식했다. 변형이란 두 가지 유형이 있다: 순수한 심미와 장식 관념, 그리고 일부 채색과 구도의 기술 원리를 바탕으로 한 객관적인 변형이다. 화가 자신의 감정을 회화 표현의 주관적 변형으로 끌어들이다.
나비파는 세루시예의' 부적' 으로 시작해 데니스의' 세잔에게 경의를 표한다' 로 끝났다. 이것은 나비학파 자체의 가치가 단지 세샹과 고갱의 시각적 방식을 명확히 하는 데 있다는 것을 보여준다. 이것은 자기 관찰을 더 강조하는 관찰 방법이다.
그 후 나비파는 분리파, 종합파, 신전통파로 분열되었다. 20 세기 초 서구 현대예술은 규모를 갖추기 시작했고, 최초의 선봉파 예술 운동은' 수파' 였다. 여기서' 야수' 라는 단어는 그들의 그림 속의 놀라운 색채와 왜곡된 모양을 묘사하는데, 분명히 자연의 모양과 정반대이다.
마티스를 비롯한 9 명의 청년 화가의 작품은 65438 년부터 0905 년까지 프랑스 가을 살롱전에서 전시되었다. 화풍이 혀를 내두르게 하여 여론을 떠들썩하게 했다. 평론가 루이 워커슬러 (Louis Walkseller) 는 마르고가 르네상스 초기 이탈리아 조각가 도나텔로의 스타일을 모방한 야생적인 색채를 띤 그림을 보고 아무렇게나 말했다. "도나텔로는 야수들로 둘러싸여 있다. (윌리엄 셰익스피어, Northern Exposure, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언)." 그 이후로 이 화가들은' 야수' 라고 불렸다.
시각 예술-짐승
마티스를 비롯한 이 청년 화가들은 상징주의의 신비로운 색채에 만족하지 않고 색채의 철저한 정화를 주장하여 화가의 감정을 더욱 분명하게 표현할 수 있도록 한다. 감정을 표현하는 것은 만물의 영론 화가의 목적이다.
야수파 화가 프리츠는 야수파에 대해 "색채의 교향 기교를 통해 햇빛과 같은 효과를 얻을 수 있다" 고 정의했다. 열광적인 전환 (출발점이 자연스럽게 닿음) 이 불타는 추구에서 진리를 세우는 이론. "
야수주의의 주요 원리는 색채를 빛의 작용으로 공간 관리의 효과를 얻는 것이다. 모두 무조형 무착시적인 평면화를 채택하고, 수단을 순수하게 단순화하고, 구도로 표정과 장식의 절대적 일치, 즉 동적인 암시와 내면의 질서를 달성해야 한다. 마티스는 이렇게 말했다. "구도는 화가가 사용하는 각종 재료를 배열하여 장식적인 방법으로 감정을 표현하는 예술이다."
야수파 화가는 거친 주제와 강렬한 색채를 광범위하게 사용하여 기질의 격렬한 표현을 축하하고, 구조 원칙에 의지하여 부피, 물체, 명암을 고려하지 않고, 원근감 대신 순수한 단색을 사용한다. 마티스의 선생님 모로는 그에게 이렇게 말했습니다. "그림을 단순하게 만들어야 합니다." " 따라서 마티스는 만물의 영론의 대표로서 색채를 원래의 힘, 단순함, 표현의 의미로 완강히 회복시켰다.
1905 부터 1908 까지 야만주의로 시작하여 나중에 입체주의로 대체되었다. 미래주의 1909 년 2 월 20 일 이탈리아 시인 마리네티는' 피가로보' 에서' 미래주의 창립과 선언' 을 발표했다. 선언은 한편으로는 현대 공업문명과 과학기술을 칭송하여 전통적인 시공관념이 완전히 바뀌었다. "장려한 세계는 새로운 아름다움-속도미" 를 얻었기 때문에 미래의 문학예술은 현대 기계 문명, 속도, 힘, 경쟁을 반영해야 한다고 주장했다. 반면에, 그것은 모든 오래된 전통문화를 저주하고, 고대 로마 이후의 모든 문화유산을 쓸어버리고, 모든 박물관, 도서관, 학원을 파괴한다고 주장한다. 그들은 소리쳤다. "우리 하자! 도서관의 책꽂이를 켜라! 강을 그려 모든 것을 물에 잠기다. 박물관 갤러리! 거드름 피우는 고화가 찢어져 퇴색되어 물 위에 떠 있는 것을 보니 얼마나 행복한가! 도끼와 망치를 들어 신으로 추앙된 성을 무자비하게 파괴한다! "
19 10 년 3 월 8 일 화가 보초니, 카라, 발라도' 미래주의 화가 선언' 을 발표했고, 4 월 초에도' 미래주의 회화 기교선언' 을 발표해 그들의 회화 기교가 본질적으로 그들은 입체주의의 다시점에서 속도와 시간의 요소를 추가했다. 조각의 미래주의는 보추니가 완성한 것이다. 4 월 19 12, 1 1 일, 그는' 미래주의 조각 선언' 을 발표하면서 "우리는 외부 윤곽을 절대적으로 완전히 버려야 한다" 고 선언했다
2004 년 7 월191/Kloc-0 벽돌, 돌, 나무 대신 강철, 유리, 천을 사용하여 최적의 빛과 공간을 얻습니다.
또 미래파의 의류 선언도 있어 색깔이 어둡고 선이 뻣뻣한 옷을 폐지하고 색깔이 밝고 선 운동이 가능한 새 옷으로 갈아입으라고 촉구했다.
19 18 전쟁이 끝날 때까지 이 유파는 이미 끝났다. 초현실주의: 프로이드 정신분석학의 영향을 받는 예술 표현 형식으로 황당함을 강조한다. 그것은 원래 문학 운동이었고, 다다주의의 부산물이다. 초현실주의는 1924 년에 발표된 문학 선언에 의해 세워졌다.
시각예술의 초현실주의 초현실주의는 1960 년대 말 미국에서 일어난 새로운 예술 유파이다. 이 파 예술가는 추상 예술의 잠재 의식 감정에 반대하고 조형에서 구체적인 물체를 표현하지 않는 방법에 반대한다. 그들은 화가의 주관적인 생각을 배제하고, 객관적이고 진실하며, 심지어 사진처럼 물체를 재현해야 한다고 생각하여' 사진리얼리즘' 이라고도 부른다.
초현실주의 화가는 종종 도시 풍경과 시골 풍경에 그림을 그리고 초상화 창작에 전문적으로 종사하는 사람들도 있다. 클로스는 초현실주의의 초상을 그렸는데, 그가 묘사한 대상은 인물의 내면정신이 아니라 그들의 모양의 유사성을 강조한다. 이런 작업량은 사진을 직접 복제해야 할 뿐만 아니라 슬라이드 프로젝터로 사진의 원판을 캔버스에 투영하고 윤곽과 각 부분을 자세히 그린 다음 색칠해야 한다. 작품은 매우 사실적이고 섬세하여 머리카락 한 가닥까지 그려졌다. 어떤 사람들은 이렇게 말합니다. "그의 그림 앞에 서 있으면 그림 속 인물의 피부가 숨쉬고 땀을 흘리는 것을 느낄 수 있고, 고통, 피로, 공포가 번쩍이는 생리상태도 볼 수 있습니다. 화면은 일종의 청량하고, 대부분 로맨틱한 고기질을 보여준다. 그가 그린 것은 인간이나 비인간이 아니라 중립으로 되돌아가고 생물학적 기능만 있는 생물이다. "
초현실주의의 예술은' 이 물질 세계의 한 가지 물질' 에 불과하다. 미국 평론가 카나드는 "포프 예술과 초현실주의의 어떤 결함이든 반추상 운동으로서 죽어가는 예술과는 사뭇 다른 현실주의를 보여 준다. 그들은 20 세기에 잠재된 추세를 가지고 있다. 그것은 예로부터 가장 표현력이 뛰어난 형식과 예술가가 가장 잘 활용할 수 있는 형식이다" 고 말했다.