19 년 말부터 20 세기 초까지의 모든 서양 전문 음악 창작을 가리킨다. 그러나 지난 90 년 동안 서양 음악의 스타일과 유파는 매우 복잡하고 진화도 치열했다. 역사적 스타일로 볼 때 현대음악은 20 세기에 창작한 모든 작품이 아니라 20 세기에 창작한 특수한 스타일의 작품을 가리킨다. 왜냐하면 일부 작곡가들 (예: 라흐마니노프, J. 시벨리우스 등) 이 있기 때문입니다. ) 20 세기에 많은 중요한 작품을 썼지만, 전반적으로 19 세기의 낭만주의 음악에 속한다. 이전의 낭만주의와 서양 전통 음악에 비해 현대 음악은 크게 변했을 뿐만 아니라 스타일도 다양해졌다. 현대 경제, 정치, 과학 등 예술사조의 영향으로 서구 전통음악의 기본법칙은 음악예술 자체의 고유 법칙의 영향으로 하나하나 깨졌다. 이 과정에서 각 작곡가들이 채택한 방식과 수단이 다르기 때문에 유파, 작곡가, 작품은 역사상 유례없는 복잡한 모습을 보였다. 과거 역사시대에는 항상 주도적인 음악 스타일이 있었지만, 20 세기에는 여러 가지 다르거나 반대의 음악 추세가 병행되는 경우가 드물었다. 음악 스타일의 변화는 음악의 다양한 요소의 혁신을 결정한다. 현대 음악은 음고, 리듬, 음색, 강도, 조직 구조 등에서 전례 없는 돌파구를 마련했다. 한편으로는 현대 음악 자체의 주요 음향 특징을 형성하고, 다른 한편으로는 음악 표현의 범위도 전례 없이 확대되었다. 작곡가는 더 풍부하고 풍부한 창작 수단을 얻었지만, 이러한 기법들은 종종 사람들의 청각 습관과 익숙한 음악적 사고를 뛰어넘어 청중과 현대 음악 사이에 깊은 차이가 있는 경우가 많다. 현대 음악의 증상은 소리의 불협화다. 이 점은 19 세기 많은 낭만주의 작곡가들의 작품에서 볼 수 있다. F. 리스터, □п Musorgskiy, E. Grieg 등. 독일 작곡가 R 바그너 (R Wagner) 는 고전 크기 조절식과 음조 기능의 해체를 가장 강력하게 추진하여 불협화음 (훈버그어) 을 해방시켰다. 바그너의 작품에서 그는 반음화음을 많이 사용했고, 화음은 주음의 속박에서 해방되어 크기조절과 음조의 전통적 관계가 흔들리기 시작했다. 프랑스 작곡가 드뷔시를 대표하는 인상파 음악은 현대 음악으로 전환하는 가장 중요한 유파이다. 결국 고전 음조와 하모니 기능의 해체가 완료되었기 때문에 20 세기 서양 음악의 발전에 헤아릴 수 없는 영향을 미쳤다. 인상파 음악에서 불협화 음정은 자유롭게 운용되어 협화 음정과 동등한 위치에 이르렀다. 전음계, 교회식, 평행화현, 풀 수 없는 칠구화현, 겹친 화현 등 기법의 대량 운용으로 인상파 음악은 음고 조직에서 전통적인 음악 법칙을 크게 돌파했다. 또 인상파 음악은 참신한 청각효과를 추구하기 위해 은은한 빛 속에서 감정과 분위기를 표현하고 리듬상의 균형을 깨고 형식상의 대칭을 반대하며 음색상의 투명함을 요구하며 과거 전통음악의 약속과 규칙을 떠나 20 세기 음악의 문을 열었다. 독특한 프랑스 작곡가 라웰 (M. lavelle) 을 제외한 많은 작곡가들은 인상파는 아니지만 프랑스의 디카스 (P. Dickas), 이탈리아의 레스피키 (O. Respighi), 등 인상파 음악의 강력한 영향을 받았다. 표현주의와 12 음 음악은 인상주의에 뒤이어 생겨났고, 미학사상과 창작 기법에서 인상주의와 완전히 다르다. 현대 음악의 첫 유파로 표현주의 음악은. 표현주의는 제 1 차 세계대전 전에 독일에 나타난 예술 유파로, 전후에 유럽과 미국을 풍미했다. 19 1 1 러시아 화가 а 칸딘스키 (1866 ~ 1944); 그들은 예술이' 묘사' 하거나' 상징' 해서는 안 된다고 생각한다. 오히려 인간의 정신과 경험을 직접 표현해야 한다. 즉 예술은' 객관적인 눈앞에서 보는 것을 묘사해서는 안 된다' 는 것이다. 오히려' 우리의 눈에 있는 물체의 자세를 주관적으로 표현해야 한다' 는 것, 즉 작가의 내면세계, 즉 이른바 내면정신이라고 한다 음악 표현주의의 대표 인물은 쇤버그와 그의 제자 A. 버그와 A. 폰 웨이 베인이다. 그들은 형식상의 절대적인 자유를 추구하고, 낡은 전통을 타파하며, 그림 속의 표현주의와 일맥상통한다. 표현주의 음악은 낡은 전통과 정반대로 과거의 음조 법칙을 완전히 무시한다. 옥타브 중 12 개 반음에 동등한 중시를 하고, 주음과 속음의 전통적 관념을 버리고, 음조가 절대적인 우세를 차지하게 한다. 낡은 멜로디 트랙이 파괴되고 멜로디가 균형이 잡히지 않고 반복되지 않기 때문에, 단지 일련의 독특한 소리일 뿐이다. 또 다른 리듬은 종잡을 수 없고, 박자는 간과된다. 형식적으로, 그것은 전통적인 수렴, 반복 및 균형 방법을 무시하기 때문에 매우 자유롭다. 그러나, 그것은 새로운 이론의 형식에 근거하여 독특하고, 유동적이며, 무한한 발전의 기묘한 특징을 가지고 있다. 정렬에서, 전통과 화성에서 벗어나 복잡한 자유의 선율선이 되는 느낌, 즉 소위 선형 자유 정렬 (linear free coordination) 이 있다. 밴드 편곡과 배화기의 방법에서는 후기 낭만주의가 추구하는 방대한 구조와 목소리의 과장과는 달리 정교하고 단순한 편곡으로 뚜렷한 실내악색을 띠는 경우가 많다. 그 색채는 인상파만큼 신비롭지 않고 간단하고 밝고 강렬하다. 쇤버그의 초기 노래' 월팬의 피에로' 와 그의 일각극' 기대' 는 모두 전형적인 표현주의 작품이다. 전자는 퇴폐파 시인 A. Giraud 의 시를 근거로 한 신경질 시인 피에로의 만월 환상 속 각종 장면, 교수대에서 노부인의 미친 정욕에 이르기까지 몽상가 자신이 목사가 되어' 피비린내 나는 미사' 를 주재하며 피투성이의 마음을 꺼내 신의 가호를 빌었다 작품 전체가 공포, 광기, 엽기적인 내용으로 가득 차 있다. 기대' 는 한 여자가 어두운 숲을 가로질러 애인을 찾다가 애인의 시체를 발견했다는 내용을 담고 있다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 희망명언) 쇤버그는 공연 중 숲에 대한 공포가 가득하다는 것을 관객들에게 요구했다. 공연 전체가 악몽을 잃어서는 안 된다는 인상을 주어서는 안 된다. 이 작품들 중 쇤버그는 음조와 부조화성의 대립법뿐만 아니라 극도로 과장된 음준 멜로디를 활용해' 통속적이고 이해하기 쉬운 영어로 노래' 라고 불린다. 표현주의의 대표작품으로서' 베그' 는' 워제크',' 루루',' 바이올린 협주곡' 두 편의 오페라로 구성되어 있다. 워제크' 는 19 세기 독일 작가 G 비슈넬의 미완성 비극을 각색한 것이다. 그것은 한 병영에 있는 이발사 워제크가 매일 3 센트의 저가로 의사를 위해' 실험동물' 을 만들어 애인과 아이를 부양하는 것을 묘사한다. 그가 가난과 굴욕을 당했을 때 메리는 장교에게 속았다. 워제크는 실망과 고통 속에서 그녀를 죽이고 호수에 뛰어들었다. 이 비극은 독일 봉건 사회의 어둠을 어느 정도 반영하고 모욕과 피해를 입은 사람들에게 동정을 주었다. 하지만 질투, 절망, 광기에 대한 지나친 심리적 묘사로 표현주의 병적, 신경질적인 소극성도 드러났다. 쇤버그와 버그의 표현주의가 음악적 사고에서 한 단계 더 발전한 것은 자유 음조 음악에서 논리적 통일을 찾는 기초이다. 직감과 감성은 음조 음악의 일관성과 통일성을 보장할 수 없다. 이성의 제약에 의지해야 한다. 이로 인해 12 음 음악이 생겨났다. 쇤버그는 음계 중 12 개의 반음을 몇 개의 음계로 나누는데, 각 음계 중의 각 음은 반복되거나 연속적이지 않다. 이런' 음악 서열' 과 다양한 변종을 바탕으로 한 작곡 기법은 작곡가가 제한된 범위 내에서 창의력을 충분히 발휘할 수 있도록 하는 동시에, 음조 음악 작품 (특히 대형 작품) 의 구조적 통일성을 보증한다. 아마도 전통적인 음조 사유가 해체된 후 가장 독특한 음악 사고 방식일 것이다. 쇤버그, 버그, 베베인은 모두 자신의 실천으로 이런 사유가 음악에서의 가능성을 증명했다. 1923 년, 쇤버그는 피아노 5 곡과 독주가 있는 실내악 세레나데의 일부 단락에서 12 음 음악의 창작 기교를 운용하기 시작했다. 버그는 12 음 음악으로 바이올린 협주곡과 오페라' 루루' 를 창작했다. 위장훈버그의 12 음 기법은' 서곡' 으로 한층 발전한 뒤 후계자와 함께' 서곡' 을 확장해 멜로디, 리듬, 힘, 음색과 결합해 이른바' 전서곡' 을 형성했다. 만년에 웨이는' 점화악' 을 창작했는데, 많은 단음과 음조로 나뉘어' 점화파' 의 그림처럼 분리되었다. 그의 주요 작품으로는' 피아노 변주곡' (작품 27),' 6 곡 멜로디' (작품 9),' 오케스트라 변주곡' (작품 30) 과 많은 어쿠스틱 음악이 있다. 신고전주의 음악 제 1 차 세계대전 이후 서구 음악에는 많은 실험파와 사조 (예: 이탈리아 미래주의, 체코 작곡가 A 바하의 미분음악 등) 가 나타났다. 한편, 일부 중요한 작곡가들은 비교적 안정된 스타일 발전 과정을 거쳤다. 새로운 미적 관념과 음악적 사고가 속출하고 있다. 1920 년대 초부터 50 년대까지 신고전주의는 가장 영향력 있는 음악 유파이다. 신고전주의는 낭만주의 음악의 제목과 주관성을 부정할 뿐만 아니라 후기 낭만주의와 표현주의의 과장된 환상과 표현도 부정한다. 신고전주의는 음악 창작이 혼란스러운 사회와 정치를 반영할 필요가 없고' 중립' 이나' 예술 1 위' 의 입장을 취해야 한다고 주장한다. 창작은' 고전주의' 와' 바흐에서 더 먼 시대' 로 돌아가야 한다. 음악의 순미 (시나 그림 등이 섞이지 않는다) 가 있다. ); 작곡가는 주관성에서 벗어나 냉정하고 객관적인 현대적 방법으로 고전의 균형 형식을 재현해야 한다. 신고전주의는 이탈리아 작곡가 F 부소니와 러시아 작곡가 I.F 스트라빈스키를 대표하는 체계로서 후세에 영향을 미쳤다. 부소니는 음악이 엄격한 객관적 정신과 중립적인 태도를 유지해야 한다고 생각하는데, 고전 정렬 기법과 고전 형식은 패티타, 협주곡, 토카타, 파사카리아, 리세카와 같은 이론을 실천하는 가장 좋은 방법이다. 스트라빈스키는 1927 년 영국 잡지에' 바흐 복귀' 선언을 발표한 후 신고전주의 열풍을 일으켰다. 부소니의 코미디 서곡과 피아노 소나타는 신고전주의 초기 전형이지만, 가장 전형적인 것은 스트라빈스키의 발레, 아폴로, 선녀의 키스, 시 교향곡, 피아노 협주곡이다. 이 작품들 중 일부는 고대 신화 이야기에서 뽑혔고, 어떤 작품은 중세 종교 제재를 채택하였다. 음악에서 그들은 고대 음악 스타일을 모방하고 현대 기술과 결합하여 고대 음악을 모방하는 새로운 스타일을 형성하려고 시도했다. 부소니와 스트라빈스키가 주창한 신고전주의는 많은 걸출한 현대 작곡가들에게 깊은 영향을 미쳤다. 프랑스 6 인조 A. Oneig 가 초기에 창작한 현악 사중주와 제 1 바이올린 소나타, 그리고 이후 실내악 협주곡, 무반주 바이올린 소나타, 아카이 조곡 등은 음악의 개념과 구조에 뚜렷한 신고전주의 특징을 가지고 있다. 그의 교향악의 깊은 내용과 우아하고 이성적인 표현은 모두 고전주의의 특징을 구현했다. D. 미월, 6 인극단의 또 다른 작곡가는 그의 초기 작품이 후기 낭만주의의 영향을 받았지만 피아노 소나타 (19 16), 교향곡' 프로드' 를 꼽았다 현악 사중주 14 ~ 16, 그리고 많은 교향곡과 피아노 협주곡은 뚜렷한 신고전주의 특징을 가지고 있다. F. 플랑크의 많은 중기 작품으로는' 프랑스 조곡' (1936), 피아노 협주곡 두 곡, G 단조 밴드 협주곡 (1939), 피아노와 관악기 6 중주, 피아노, 오보에, 바 등이 있다 독일인 P 힌데미트는 신객관주의의 대표로 불리지만 화합 이론에 새로운 체계를 세웠다. 그러나 그는 전통적인 음조와 하모니 조직에서 멀리 떨어져 본 적이 없다. 그는 신선하고 정확한 대위법으로 많은 현대 부격곡을 창작했다. 그는 고전 장르 형식을 새로운 음악 어휘와 결합하는 데 능하다. 헝가리인 바토크와 코다이는 모두 신민족주의자이다. 전자는 단순히 복사하는 것이 아니라 민족 음악의 주제를 적용했다. 대신, 그들은 음조, 리듬, 곡조의 원소를 분해하고, 조심스럽게 자신의 독특한 음악 문법에 녹아들었다. 그의' 현악기, 타악기, 피아노를 위한 음악' (1936),' 두 피아노와 타악기를 위한 소나타',' 바이올린 소나타',' 제 3 피아노 협주곡',' 오케스트라 협주곡' 은 모두 신고전주의의 전형이다 코다이는 마사민가를 사용하면서 언어와 멜로디를 밀접하게 결합시켜 접근하기 쉽도록 노력했다. 예를 들어 오케스트라 모음곡' 해리 야노시',' 갈런드 타워 댄스',' 오케스트라 협주곡',' 제 1 과 제 2 현악 사중주',' 무반주 첼로 소나타' 가 대표다. 소련의 Prokofiev 와 Shostakovich 는 현대, 민족, 사회의 사상과 고전적이고 진지한 이성적 사고를 결합하여 신고전주의 음악 스타일의 범위를 크게 넓혔다. 프랑스 작곡가 라웰러는 다채로운 배기에도 불구하고 고대부터 스페인, 중국, 아라비아, 그리스에 이르는 이국식을 대량으로 사용하여 자연음계와 4 ~ 5 도의 빈 음정을 피해 스스로 일가를 이루었다. 그러나 그의 교묘한 수법, 명확한 주제, 고전적인 삼화현 체계, 고전 형식에 대한 존중도 신고전주의로 분류할 수 있다. 종합서열 음악과 추측통계음악이 제 2 차 세계대전 전 현대음악에 유파가 몇 개밖에 없다면 전후 현대음악은 복잡하고 복잡하다. 전후 현대 음악 발전의 첫 번째 중요한 단계로서, 시퀀스 음악의 성행. 쇤버그의 12 음 기법과 웨이의 좀 더 급진적인 창작 실천에서 영감을 받은 작곡가들은 음고, 지속 시간, 음량, 음색, 시작 방법 등 음악의 모든 요소들을 융합하기 시작했다. ) 시퀀스의 컴퓨팅 네트워크에 들어갑니다. 따라서 음악의 모든 요소는 똑같이 중요하며, 음악 속 구조조직의 생성은 엄격한 수학 계산에 전적으로 의존한다. 이런 경향은 음악적 사고의 극단적인 이성화로 인한 것이다. 프랑스인 메이시안은 이론과 실천상의 탐구가 가장 큰 영향을 미친다. 1950 이 쓴 네 곡의 리듬연습곡과 195 1 쓴 오르간 소곡이 전체 순서를 시작했다. 메이시안의 제자, 프랑스 작곡가 브라이스는 웨이의 포인트 컬러 구조를 더욱 발전시켜 더 복잡한 시퀀스 음악이 되었다. 특히 리듬조식을 강조하고, 리듬세포를 끝까지 소진하고, 변화무쌍한 리듬 조직을 발굴해 음악 구조의 기둥으로 삼는다. 이것은 스트라빈스키의' 봄에 헌정' 이후 가장 대담한 시도이다. 1. 메시안의 또 다른 학생인 케세나키스 (1922 ~) 는 메시안의 이론을 바탕으로 더 높고 복잡한 수학을 작곡의 기초로 음악과 건축, 음악과 수학, 음악과 철학의 결합을 시도하며 새로운 음악윤리관을 보여준다. 그는 밴드에 있는 대부분의 악기를 동시에 존재하고 서로 독립적인 독주악기 그룹으로 본다. 이' 성군' 을 통해 고밀도' 성입자' 를 만들어 넓고 매우 흐르는 소리를 냈다. 상감 구조로 형성된 이런' 소리군' 은 폭우로 건물을 씻고 수천 마리의 개구리가 들판에서 노래하는 소리력을 가지고 있어' 총개념' 이라고 불린다. Kesenakis 는 또한 음악을 들을 때 듣는 사람들이 종종 무의식적인 계산 행동을 한다고 생각한다. 이것은 중국 고대와 그리스의 철학자들에게만 논술된 것이 아니라, 소리와 숫자의 다양한 관계, 심지어 고전과 낭만 시대에도 각종 수학 계산이 음악 속에 숨겨져 있다. 이 이론에서 그는 독특한 투기 통계학의 음악 이론을 세웠는데, 이 이론은 나중에 전자 컴퓨터의 응용과 밀접하게 결합되었다. 프랑스의 M.P. Filippo (1925 ~) 와 일본의 다카하시 우지 (1938 ~) 가 이 연구에 참여했다. 불확실한 음악과 우연한 음악은 이성과 수학의 시퀀스 음악과 사각의 통계와는 상반된다. 1950 년대에는 미국 작곡가 J 케이지를 대표하는 우연한 음악과 독일 작곡가 K 스토크하우슨을 대표하는 불확실한 음악이 등장했다. 우연한 음악은 다른 현대주의 음악과는 달리 기법이 아니라 사상과 음악관의 표현이다. 이런 사상과 음악관은 중국의 이경과 선종, 특히 신비주의에서 비롯된다. 이런 음악에서 케이지는 침묵을 음악으로 여기기도 했고, 많은 작곡가들이 음악 속의 정지를 침묵의 소리로 여겼습니다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 침묵명언) 하지만 케이지는 조용한 소리를 소리의 소리와 동일시하고, 심지어 소리보다 더 중요하게 여기는 것은 전례가 없는 일이다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 침묵명언) 케이지의 무성작' 4 분 33 초' 는 연주 과정에서 피아니스트만 피아노 뚜껑을 열고 피아노 앞에서 4 분 33 초 동안 머물렀다. 케이지는 이때 거문고 소리가 잠잠하다고 생각했지만 청중들 사이에는 여러 가지 반응이 있었다. 1953 년 작곡가 H. Eimert 는 이 라디오에서 초기 전자음악' 사운드조합 연습' 을 제작했다. 그러나 이 방면에서 가장 큰 영향을 미치는 것은 스토크하우슨이다. 1954 년 그는 전자연습곡 두 곡을 만들어 음반으로 녹음했다. 이 작품에서 그는 사인파로 193 가지 사운드 소재를 제작해 유럽 작곡가들에게 큰 영향을 미쳤다. 1956 년 그는' 소년의 노래 제 8 호' 를 제작해 전자음과 특정 음 (소년의 노래) 을 결합해 초기 전자음악의 대표작이 됐다. 전자음악의 제작은 전자기술을 통해 각종 새로운 음원을 얻는 것이다. 사인파로 범음이 없는 소위 순음을 생성하거나 타악기와 소음악기로 소음을 낸다. 또한 음성이나 특정 음악과 결합하여 필터와 응답 장치를 통해 변형, 변질, 변화를 만든 다음 다른 전자 악기와 녹음 기술을 통해 접합하여 재생, 합성, 작품을 형성합니다. 이러한 전자 기술을 통해 제작자는 다양한 이상한 소리와 다양한 리듬을 임의로 조합하고, 사람의 목소리와 악기가 도달할 수 없는 음역과 속도를 만들고, 상상의 우주에서 다양한 허황된 소리를 만들 수 있다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언) 1950 년대 초, 각종 계산을 거쳐 전자음악이 생겨났다. 1950 년대 말에는 음색, 리듬, 힘, 음색을 직접 조절할 수 있는 전자 사운드 합성기가 등장했다. 프로듀서는 앱 버튼을 선택하여 다양한 멋진 음악을 만들 수 있다. 전자음악 연구기관은 대부분 일부 대학의 방송국과 전자실험실에 설치되어 있다. 비교적 유명한 것은 연방 독일 서남방송국, 일본 NHK 방송국, 이탈리아 밀라노 방송국, 독일 베를린 대학, 미국 일리노이 대학, 네덜란드 토레흐트 대학, 캐나다 토론토 대학, 뮌헨 길민스, 미국 콜롬비아 프린스턴 전자음악센터입니다. 전자음악에 종사하는 작곡가가 많다. 독일의 E 크레네크, 프랑스의 C.-A. 드 벨리오, E. 바레저, 미국의 O. 루닌, M. 바비트, V.U. 사체프스키, 네덜란드의 H. 가 있다. 전자 합성기는 M. Subotnik 과 일본 부전훈을 포함한다. 그들은 클래식 음악에서 각색된 많은 전자 사운드 합성기 음악을 성공적으로 제작했고, S 마티라 노는 전자컴퓨터로 음악을 만들었다. 전자 소리와 전자 음악의 급속한 발전으로 미국 전자 음악 작곡가 V. U. Sacevski 와 그의 전자 악기는 1950 년대와 1960 년대에 우주 음악을 선보였다. 다채널 오디오 장치를 통해 다양한 음원을 분리하고 모든 방향에서 재현하여 매우 풍부하고 아름다운 음색과 음향 효과를 만들어 냅니다. 일찍이 20 세기 초에 미국인 C.E. Ives 는 두 세트의 관악기로 좌우에서 연주하여 중앙으로 이동했다. 그런 다음 교차한 다음 좌우로 분리하여 공간감이 흐르는 소리를 냅니다. 우주 음악에서는 많은 스피커가 서로 다른 방향으로 설치되어 청중이 복조와 어댑터의 변화 수준을 분명히 들을 수 있을 뿐만 아니라 다양한 사운드의 조합과 분리를 명확하게 느낄 수 있게 해 줍니다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 음악명언) 이러한 오디오는 다채널 스피커를 통해 모든 방향이나 지정된 방향으로 나타나거나 단독 또는 전체적으로 어느 방향으로든 이동할 수 있습니다. 1970 년 일본 엑스포에서 연방 독일관의 구형 홀' Odtoriam' 과 강철관의 원형 콘서트 홀' 우주극장' 에는 이런 설비와 장치가 있었다. 이 공간 음악의 질과 양의 전환은 전적으로 전자 기술에 의해 통제된다. 이 기술 체계와 호환되는 작품만이 우주 음악의 곡목으로 사용될 수 있다. 구체적인 음악과 소리의 새로운 탐구. 이와 함께 음악 사유는 극도로 이성적으로 변하고 있으며, 거의 모든 급진적인' 선봉파' 작곡가들은 전통적인 기악과 성악에서 새로운 음색과 소리 실험을 찾는 것에 열중하고 있을 뿐만 아니라 소음에 대해서도 많은 실험을 하고 있다. 일찍이 1920 년대에 이탈리아에서' 미래파' 의 소음 음악이 나왔다. 1930 년대에 프랑스인 발레저는 타악기에 대해' 타악기주의' 라고 불리는 다양한 실험을 했다. 제 2 차 세계대전 후 녹음기술이 다시 등장해 일상생활의 다양한 특정 목소리를 소재로 복잡한 처리를 거쳐' 구상적인 음악' 이 되는 것은 사람들이 아름다운 음악으로 연주하는 데 익숙한 음악과는 다르다. 특정 음악은 1948 에서 제작되었습니다. 파리 방송국의 엔지니어인 P. 셰퍼 (P. Schaefer) 는 처음으로 바람과 비, 기차의 포효, 동물의 울부짖음, 남녀의 속삭이는 소리, 종소리, 기적 소리 등 실생활에서 시끄러운 소리를 수집했다 1950 년 프랑스 작곡가 P 헨리와 합작하여 싱글' 교향곡' 을 구성해 인체 안팎의 목소리 (예: 호흡, 독경, 고함, 휘파람, 디딤단, 노크, 피아노 연주 등) 를 만들었다. ) 다악장으로 변하는 구체적 음악. 1953 년 독일 다나우르센겐에서 열린 현대음악제에서 이들은 그리스 신화, 하퍼 세코드, 현악, 여성 아리아, 그리스어, 프랑스어에 따라 다양한 소음, 하퍼 세코드, 현악기, 여성 아리아, 그리스어, 프랑스어를 추가함으로써 특이한 소리를 내는 대형 오페라' 오르푸스 53' 을 제작했다. 구체적인 음악의 소리 소재는 무한하기 때문에 1950 년대에는 많은 작곡가들이 이 기술을 사용했다. 전자 음악이 등장한 후, 전자 음악과 밀접하게 결합되었다. 게다가, 그것은 전통 음악과 결합되었다. 1950 년대 이후 구상음악과 전자음악의 유행을 제외하고 악기와 사람의 목소리의 음색과 음향학의 발전은 작곡가들의 가장 큰 관심사가 되는 경우가 많다. 전통 악기의 비전통적인 연주 방법이 끊임없이 발명되고, 사용된 악기도 동양악기와 새로 발명된 악기를 포함한 전례 없는 범위로 확대되기 시작했다. 제 1 차 세계대전 이후 바토크와 헨드미트는 피아노를 타악기로 사용했고, 웨이는 그의 현악 사중주에 다양한 특수 현악 연주 방법을 사용했다. 그의 피아노 변주곡에서, 그도 멈춤과 휴지가 있는' 점화' 를 많이 사용했다. 미국의 h.cowell (1897 ~1965) 은 20 세기 초부터' 클러스터' (손, 팔, 나무 막대기로 여러 키를 동시에 누르는 연주 방법) 를 사용했고 코웰은 이란, 페르시아, 일본, 아일랜드의 5 음계와 음조 음악뿐만 아니라 내부 피아노 연주법도 사용한다. 한편 헝가리인 G 리게티 (1923 ~) 는 오르간에서' 음총' 연주 방법을 사용하여 매우 아름다운 음악을 만들었다. 폴란드의 고 작곡가 K 펑데리츠키는 기악의 목소리에 대해 대량의 탐구를 진행했다. 그가 1960 에 쓴' 히로시마 희생자 만가' 에서 그는 차음의 미끄럼을 이용해 악기의 차음을 한데 모아 역동적인 소리 구조를 만들었다. 보컬의 발전은 1950 년대에 더 큰 발전을 이루었고, 쇤버그 19 12 가 쓴' 월팬의 피에로' 등 표현주의 작품 중' 백창' 은 1950 년대 작곡가들에게는 이미 시대에 뒤떨어져 있으며, 그들은 사람들의 목소리를 더 많이 탐구하고 있다 전자음악이 사람 소리를 각종 놀라운 음향 효과로 변환하는 것은 이미 흔한 일이다. 판드레츠키는 악기의 조합뿐만 아니라 사람 목소리의 조합까지 사용했다. 많은 작곡가들은 사람의 노랫소리뿐만 아니라 다른 목소리 (울음, 웃음, 한숨, 소리 등) 도 사용한다. ) 사람이 생활에서 하는 것. 사람 소리 외에 작곡가도 동물의 목소리를 연구한다. 메이시안은 음악의 리듬 기능을 강조하며 결국 새소리에서 자신의 신세계를 찾아 새에 관한 다양한 음악을 써냈고, 그로부터 매우 풍부한 리듬 변화를 얻었다. G.H. 클람 (1929 ~) 의 영감은 고래의 목소리에서 비롯된다. 그는 콜롬비아 바다에서 고래의 목소리를 음악 소재로 기록했다. 또 다른 미국 작곡가 A. 호반네스 (19 1 1 ~) 가 쓴' 그래서 하나님은 위대한 고래를 창조하셨다 기악과 성악에서 다양한 음색을 추구하는 것 외에도, 힘에 대한 추구는 1950 년대에도 전례 없는 변화를 겪었으며, 레게티는 음악의 요소 속에서 음색과 힘이 멜로디, 리듬, 화음의 음악적 주도권을 대체해야 한다고 생각한다. 196 1 쓴 대기는 PPPP-MP 를 기반으로 하지만 그 발전은 ffff 의 실력으로 증가했다. 밴드는 때때로 완전히 소리 없이 연주하기도 하고, 때로는 87 성부 합창까지 증강되기도 한다. 미국의 S. Reich (1936 ~) 는 각 부분의 값과 박자 간격의 변화에 관심이 있어 재미있는 음악을 형성한다. 프랑스 J.-C. Elloy (1938 ~) 는 음색, 음역, 밀도, 연속성 등에서 복잡한 악기 그룹을 처리하여 이상한 소리를 낸다. 각종 새로운 음원을 탐구하면서 모자이크 음악과 조합음악도 현대음악의 구조 형식에 다양한 새로운 기법을 만들어 냈다. 비교적 두드러진 것은 상감 음악, 그룹 음악, 사건 작품이다. 모자이크 음악은 각기 다른 스타일과 장르의 낡은 음악 작품을 이용하여 일정한 이념에 따라 조합한 새로운 음악이다. 일찍이 19 13 년 동안 미국의 아이브스는 그의 두 번째 현악 사중주에' 슬픈 교향곡', J 브람스의' 제 2 교향곡', L.van 베토벤의' 제 2 교향곡' 을 적용했다 그러나 장르로서, 그것은 제 2 차 세계대전 이후 점차 형성되었다. 이탈리아 작곡가 L. 베레오를 대표합니다. 그는 현대 연극에서 영감을 받아 각자의 특색 있는 목소리를 음악 언어의 소재로 삼아 음악과 시 사이의 의경을 만들려고 시도했다. 1972 년 그는 카시를 위해' 독주곡 1 호' 를 출판했다. G. 윌디, J·S· 바흐, F. 슈베르트, H. 볼프, G. 말러, 라웰, 또한 Bob Berian 은 라이브 공연을 진행했고, 이는 뮤지컬을 구성했다. 악보는 노래와 도백, 밴드와 피아노의 세 부분으로 나뉘며, 각 부분은 독립된 박자를 유지하며 음악 수준의 중첩과 운동을 구성한다. 이것은 전통적인 심미 관념과는 매우 다른 음악이다. 그의 후기 작품에서 베레오는 부조화, 불균형, 관련없는 재료로 구성된 조합음악을 선호한다. 그가 소위' 오버랩 상감' 이라고 부르는' 에피파니' 는 두 가지 풍격이 다른 곡이 동시에 연주되는 작품이다. 일본인 석정진목 창작의' 만남' 은 피아노 음악과 척팔음악, 관현악, 고아한 음악을 결합한 작품이다. 사건 작품은 그룹 음악을 확대하고, 공간에 독립적으로 존재하는 음향 현상이나 시각적 행위가 있어 자유조합이나 인계를 통해 이른바' 사건 작품' 을 구성한다. 그것은 우주 예술을 시간예술로 바꾸는 것을 목표로 하고 있으며, 대표 인물은 스토크하우슨이다. 196 1 년 뮤지컬' 프로토타입' 이라는 작품을 창작했는데, 사용된 음악은 그가 1960 년 키보드, 타악기, 피아노를 위해 창작한 칸타타입니다. 작품의 표현은 일련의 무기렌즈의 합성이다. "무대 감독의 노호, 로맨틱한 젊은 여성이 거울 앞에서 옷을 갈아입고, 바이올린 연주자는 사이렌을 불면서 현대음악을 연주하고, 사진작가는 관객과 함께 이 장면을 섭취하고 스크린에 투사한다. 나중에 연극 배우가 말을 하기 시작했고, 음악은 절정에 달했다. 곧 늙은 여자가 신문을 파는 소리가 되고, 선봉파 여화가가 캔버스에 그림을 그리고, 그림을 그린 후 불태웠다. 무대 감독은 스타니스라프스키의' 배우 수칙' 을 진지하게 낭독했다. 이 시인은 20 여개 국어로 쓴 난해한 시를 낭송했다 악보는 무대에 나타나는 캐릭터에 대한 다양한 힌트를 기록했다.